Mensagem sobre o tema do mistério da imagem artística. Centro de informações “casa central do conhecimento”

1. Imagem artística: o significado do termo

2. Propriedades da imagem artística

3. Tipologia (variedades) de imagens artísticas

4. Trilhas de arte

5. Imagens-símbolos artísticos

1. Imagem artística: o significado do termo

No próprio senso geral Uma imagem é uma representação sensorial de uma determinada ideia. As imagens são chamadas de objetos empíricos percebidos e verdadeiramente sensuais em uma obra literária. São imagens visuais (fotos da natureza) e auditivas (ruído do vento, farfalhar dos juncos). Olfativo (cheiros de perfume, aromas de ervas) e gustativo (sabor de leite, biscoitos). Imagens táteis (toque) e cinéticas (relacionadas ao movimento). Com a ajuda de imagens, os escritores designam em suas obras uma imagem do mundo e de uma pessoa; detectar movimento, dinâmica de ação. A imagem também é uma espécie de formação holística; pensamento incorporado em um objeto, fenômeno ou pessoa.

Nem toda imagem se torna artística. A arte da imagem reside no seu propósito especial - estético. Capta a beleza da natureza, da vida selvagem, do homem, das relações interpessoais; revela a perfeição secreta do ser. A imagem artística é chamada a testemunhar o belo, que serve o bem comum e afirma a harmonia mundial.

Do ponto de vista da estrutura de uma obra literária, a imagem artística é o componente mais importante da sua forma. Uma imagem é um padrão no “corpo” de um objeto estético; a principal engrenagem “transmissora” do mecanismo artístico, sem a qual é impossível o desenvolvimento da ação, a compreensão do sentido. Se uma obra de arte é a unidade básica da literatura, então a imagem artística é a unidade básica da criação literária. Com a ajuda de imagens artísticas, o objeto de reflexão é modelado. Os objetos de paisagem e interior, acontecimentos e ações dos personagens são expressos em uma imagem. A intenção do autor transparece nas imagens; a ideia geral principal está incorporada.

Assim, na extravagância "Scarlet Sails" de A. Green, o tema principal do amor na obra se reflete na imagem artística central - velas escarlates, significando um sentimento romântico sublime. A imagem artística é o mar, onde Assol espreita, à espera de um navio branco; a pousada negligenciada e desconfortável de Menners; um inseto verde rastejando ao longo da linha com a palavra "olhar". Como imagem artística (a imagem do noivado) é o primeiro encontro com Gray Assol, quando o jovem capitão coloca no dedo o anel da sua noiva; equipar o navio de Gray com velas vermelhas; beber vinho que ninguém deveria ter bebido, etc.

As imagens artísticas que destacamos: o mar, o navio, as velas vermelhas, a taberna, o inseto, o vinho são detalhes importantes formas extravagantes. Graças a esses detalhes, a obra de A. Green começa a “viver”. Recebe os personagens principais (Assol e Gray), o local de seu encontro (o mar), bem como sua condição (um navio com velas vermelhas), os meios (um olhar com a ajuda de um inseto), o resultado ( noivado, casamento).

Com a ajuda de imagens, o escritor afirma uma verdade simples. É “fazer os chamados milagres com as próprias mãos”.

No aspecto da literatura como forma de arte, a imagem artística é a categoria central (assim como o símbolo) criatividade literária. Atua como uma forma universal de dominar a vida e ao mesmo tempo como um método para sua compreensão. As imagens artísticas compreendem a atividade social, cataclismos históricos específicos, sentimentos e personagens humanos, aspirações espirituais. Neste aspecto, a imagem artística não se limita a substituir o fenómeno que denota ou a generalizar os seus traços característicos. Ele fala sobre os fatos reais da vida; os conhece em toda a sua diversidade; revela sua essência. Modelos de vida são desenhados de forma artística, intuições e insights inconscientes são verbalizados. Torna-se epistemológico; abre caminho para a verdade, o protótipo (nesse sentido, estamos falando da imagem de algo: o mundo, o sol, a alma, Deus).

Assim, a função de “guia” do Protótipo de tudo o que existe (a imagem divina de Jesus Cristo) é adquirida por todo um sistema de imagens artísticas no conto “Dark Alleys” de I. A. Bunin, que fala de um encontro inesperado dos personagens principais: Nikolai e Nadezhda, uma vez ligados por laços de amor pecaminoso e vagando no labirinto da sensualidade (em " becos escuros", de acordo com o autor).

O sistema figurativo da obra baseia-se em uma forte oposição entre Nikolai (um aristocrata e general que seduziu e abandonou sua amada) e Nadezhda (uma camponesa, dona de uma pousada que nunca esqueceu, não perdoou seu amor).

A aparência de Nikolai, apesar da idade avançada, é quase impecável. Ele ainda é bonito, elegante e em forma. Em seu rosto, evidentemente se lê a devoção ao seu trabalho e a lealdade. Contudo, tudo isto é apenas uma casca vazia; casulo vazio. Na alma de um general brilhante só existe sujeira e a "abominação da desolação". O herói aparece como uma pessoa egoísta, fria, insensível e incapaz de agir até mesmo para alcançar sua felicidade pessoal. Ele não tem objetivos elevados, nem aspirações espirituais e morais. Ele nada à vontade das ondas, morreu na alma. Literal e figurativamente, Nikolai viaja pela "estrada suja" e, portanto, lembra fortemente o "tarantass jogado na lama" do próprio escritor com um cocheiro que parece um ladrão.

A aparência de Nadezhda, ex-amante de Nikolai, ao contrário, não é muito atraente. A mulher manteve traços de sua antiga beleza, mas deixou de cuidar de si mesma: engordou, ficou mais feia e “enlouqueceu”. Porém, em sua alma, Hope guardou a esperança do melhor e até do amor. A casa da heroína é limpa, aconchegante e confortável, o que atesta não o simples zelo ou cuidado, mas também a pureza de sentimentos e pensamentos. E “uma nova imagem dourada (ícone - P. K.) no canto” indica claramente a religiosidade da anfitriã, sua fé em Deus e em Sua Providência. Pela presença desta imagem, o leitor adivinha que Nadezhda encontra a verdadeira fonte do Bem e de todo o Bem; que ela não morre em pecado, mas renasce para a vida eterna; o que lhe é dado é à custa de um grave sofrimento mental, à custa do abandono de si mesma.

A necessidade de contrastar os dois personagens principais da história decorre, segundo o autor, não apenas da sua desigualdade social. O contraste enfatiza as diferentes orientações de valores destas pessoas. Ele mostra a perniciosidade da indiferença pregada pelo herói. E ao mesmo tempo afirma grande poder manifestado pela heroína do amor.

Com a ajuda do contraste, Bunin também atinge outro objetivo global. O autor enfatiza a imagem artística central – o ícone. O ícone que representa Cristo torna-se para o escritor um meio universal de transformação espiritual e moral dos personagens. Graças a esta imagem, que conduz ao Protótipo, Nadezhda é salva, esquecendo-se gradualmente dos pesadelos "becos escuros". Graças a esta imagem, Nikolai também segue o caminho da salvação, beijando a mão de sua amada e assim recebendo o perdão. Graças a esta Imagem, na qual os personagens encontram a paz total, o próprio leitor pensa na sua vida. A imagem de Cristo o conduz para fora do labirinto da sensualidade até a ideia de Eternidade.

Por outras palavras, uma imagem artística é uma imagem generalizada da vida humana, transformada à luz do ideal estético do artista; a quintessência da realidade criativamente cognoscível. Na imagem artística há um cenário para a unidade do objetivo e do subjetivo, do individual e do típico. Ele é a personificação do ser social ou privado. Uma imagem artística também é chamada de qualquer imagem que tenha visibilidade (aparência sensual), essência interior (significado, propósito) e uma lógica clara de auto-revelação.

2. Propriedades de uma imagem artística

A imagem artística possui traços característicos (propriedades) especiais que são inerentes apenas a ela. Esse:

1) tipicidade,

2) organicidade (vivacidade),

3) orientação de valor,

4) eufemismo.

A tipicidade surge da estreita ligação da imagem artística com a vida e pressupõe a adequação da reflexão do ser. Uma imagem artística torna-se um tipo no caso de generalizar traços característicos e não aleatórios; se modelar uma impressão genuína e não rebuscada da realidade.

Assim, por exemplo, acontece com a imagem artística do velho Zosima do romance de F.M. Dostoiévski "Os Irmãos Karamazov". O herói nomeado é a imagem típica (coletiva) mais brilhante. O escritor cristaliza esta imagem após um estudo aprofundado do monaquismo como modo de vida. Ao mesmo tempo, concentra-se em mais de um protótipo. O autor empresta a figura, a idade e a alma de Zósima do mais velho Ambrose (Grenkov), que conheceu pessoalmente e com quem conversou em Optina. Dostoiévski tira a imagem de Zósima do retrato do velho Macário (Ivanov), que foi o mentor do próprio Ambrósio. Mente e espírito "pegam" Zósima de São Tikhon de Zadonsk.

Graças à tipicidade das imagens literárias, os artistas fazem não apenas generalizações profundas, mas também conclusões de longo alcance; avaliar sobriamente situação histórica; até mesmo olhar para o futuro.

Então, por exemplo, M.Yu. Lermontov no poema "Predição", onde prevê claramente a queda da dinastia Romanov:

Chegará um ano, um ano negro para a Rússia,

Quando a coroa do rei cair;

A multidão esquecerá seu antigo amor por eles,

E o alimento de muitos será a morte e o sangue...

A natureza orgânica da imagem é determinada pela naturalidade da sua concretização, pela simplicidade de expressão e pela necessidade de inclusão no sistema figurativo geral. A imagem então se torna orgânica quando fica em seu lugar e é usada para o propósito pretendido; quando cintila com os significados que lhe são atribuídos; quando com sua ajuda começa a funcionar o organismo mais complexo da criação literária. A natureza orgânica da imagem reside na sua vivacidade, emotividade, sentimento, intimidade; no que faz poesia poesia.

Tomemos, por exemplo, duas imagens do outono de poetas cristãos pouco conhecidos como o Monge Barsanuphius (Plikhankov) e L.V. Sidorov. Ambos os artistas têm o mesmo tema (outono), mas vivem e pintam de forma diferente.

São Barsanuphius associa o outono à tristeza e à decepção da vida. O herói lírico não vê nada de bom para si nesta época do ano. Só mau tempo, mas apêndices do "antigo":

Vento, chuva e frio

E a rebelião da alma e da fome,

E os antigos pensamentos e sonhos,

Como folhas caídas das árvores...

Esta vida terrena é triste!

Mas por trás disso há outro -

O reino da felicidade eterna, paraíso,

O reino da beleza eterna.

A imagem do outono aqui é bastante plausível. Corresponde ao frio e às reflexões sobre o passado. Porém, a imagem do outono parece artificial, racionalista. Com muita severidade, ele "arranca" o herói lírico da árvore. Chamadas para o paraíso sem qualquer conexão.

Mas L. V. O outono de Sidorov parece bem diferente. O poeta, retratando a beleza do definhamento da natureza, parece cantar uma canção:

A floresta está vestida com cores vivas

O pássaro nele não canta mais,

O sol nos dá as últimas carícias:

O outono tranquilo está chegando.

Alegrias passadas, alegrias distantes

A alegria não existe mais.

Pensamentos tristes se aproximam cada vez mais:

O outono tranquilo está chegando.

Folhas amarelas e vermelhas

Voe silenciosamente no vento

À noite, estrelas escuras de diamante

Mais brilhante do que nunca...

A imagem da natureza nessas linhas parece tão viva e brilhante que alguma imperfeição da forma é completamente esquecida. O poeta não fala apenas da morte da floresta no outono, do calor, da alegria. Ele misteriosamente intriga, encanta, embala o leitor. Dorme com uma fala calma e melodiosa; interrupções silenciosas do ritmo (“o outono tranquilo está chegando”), imagens profundamente sentidas.

É bastante óbvio que as imagens artísticas do poema de L.V. são verdadeiramente orgânicas (ao vivo), naturais e poéticas. Sidorov. A sua floresta, onde o “pássaro” já não canta; o seu céu profundo com estrelas “diamantes” revela com a máxima plenitude o fenómeno do outono, transmite claramente o seu espírito.

A orientação valorativa é imposta à imagem artística pela visão de mundo do autor e pela função axiológica da obra. Como o artista comprova sua tese, via de regra, com imagens, nenhuma delas fica indiferente. Quase todo mundo afirma ou nega alguma coisa; e acaba não sendo dado, mas dado ou orientado para valores.

Assim, a imagem de uma pulseira de granada da já citada história de A. I. Kuprin concentra-se em valores vitais. Esta é a felicidade terrena, a vida com um ente querido. A imagem da Estrela, derivada por I.F. Annensky, eleva-se a valores ontológicos. É verdade, luz, beleza. A imagem do castelo (denotando o paraíso) no romance homônimo de F. Kafka volta-se para a filosofia do desespero e do antropocentrismo. O protagonista do romance, um agrimensor, não consegue entrar no castelo de forma alguma, ou seja, demonstra total descrença. Mas a imagem da casa dos contrabandistas no "Taman" de Lermontov retorna ao sistema de coordenadas cristão, aos valores religiosos. Pois, tendo olhado dentro da casa dos contrabandistas, e vendo que ali não há ícones, como se Pechorin, que perdeu a fé, acreditasse com toda a razão que isso é um mau sinal.

Uma imagem artística pode ter um “revestimento” filosófico ou religioso diferente. E quase sempre contribui para a construção das estruturas de valor da obra; serve para transmitir significado. Graças à orientação valorativa, a imagem artística adquire especial nitidez, dinamismo, didatismo.

O eufemismo é um lirismo condensado ou laconismo de uma imagem artística. O eufemismo surge em um ambiente de tensão psicológica (ou social, espiritual, etc.) e se revela pela inesperada auto-eliminação do autor, pela conclusão de sua boca. 3.N. Gippius em seu "Caderno do Amor" enfatiza: "Deixe o caderno ficar fechado para sempre, // Deixe meu amor não ser dito." Os escritores não dependem mais palavra de arte, mas o leitor, que é convidado ao diálogo, sintoniza-se com a cocriação.

Assim, por exemplo, no “quieto” “Outono” de L.V. Sidorov nada diz sobre a pureza e transparência incomuns do ar do outono, nem sobre sua leveza e leveza. Tal silêncio é uma manifestação de eufemismo criativo. O poeta oferece um impulso inicial à reflexão: “noites escuras” e “estrelas de diamante”, um certo estado de espírito (“alegrias passadas”) e um programa de processamento das informações recebidas: “mais brilhantes do que antes de queimarem”. O leitor mantém o livre arbítrio e o espaço para a imaginação criativa. Ele determina de forma independente por que as estrelas neste momento brilham com mais brilho do que antes e engrossa de forma independente as nuances semânticas em torno da imagem artística dada a ele.

3. Tipologia (variedades) de imagens artísticas

A realidade artística de uma obra literária, via de regra, raramente se expressa em uma única imagem artística. Tradicionalmente, surge de uma formação multivalorada; todo o sistema. Nesse sistema, muitas imagens diferem entre si e revelam pertencer a um determinado tipo, variedade. O tipo de imagem é determinado pela sua origem, finalidade funcional e estrutura.

Ao nível da origem distinguem-se dois grandes grupos de imagens artísticas: as autorais e as tradicionais.

As imagens do autor, como o nome indica, nascem no laboratório criativo do autor “para as necessidades do dia”, “aqui e agora”. Eles nascem da visão subjetiva do mundo do artista, da sua avaliação pessoal dos acontecimentos, fenômenos ou fatos retratados. As imagens do autor são concretas, emocionais e individuais. Eles estão próximos do leitor com sua natureza humana real. Qualquer um pode dizer: “Sim, eu vi (experimentei, “senti”) algo semelhante”. Ao mesmo tempo, as imagens do autor são ontológicas (ou seja, estão intimamente ligadas ao ser, surgem dele), típicas e, portanto, sempre relevantes. Por um lado, estas imagens encarnam a história dos Estados e dos povos, compreendem cataclismos sócio-políticos (como, por exemplo, o petrel Gorky, que prevê e ao mesmo tempo apela à revolução). Por outro lado, criam uma galeria de tipos artísticos inimitáveis ​​que permanecem na memória da humanidade como verdadeiros modelos de ser.

Assim, por exemplo, a imagem do Príncipe Igor dos modelos “Word” caminho espiritual um guerreiro que está livre de vícios e paixões básicas. A imagem de Eugene Onegin de Pushkin revela a "ideia" da nobreza decepcionada com a vida. Mas a imagem de Ostap Bender das obras de I. Ilf e E. Petrov personifica o caminho de uma pessoa obcecada por uma sede elementar de riqueza material.

As imagens tradicionais são emprestadas do tesouro da cultura mundial. Eles refletem as verdades eternas da experiência coletiva das pessoas nas diversas esferas da vida (religiosa, filosófica, social). As imagens tradicionais são estáticas, herméticas e, portanto, universais. Eles são usados ​​​​por escritores para um "avanço" artístico e estético no transcendental e transsubjetivo. o objetivo principal imagens tradicionais - uma reestruturação espiritual e moral radical da consciência do leitor de acordo com o padrão "celestial". Isto é servido por numerosos arquétipos e símbolos.

G. Sienkiewicz usa a imagem tradicional (símbolo) no romance "Quo wadis" de forma bastante reveladora. Este símbolo é um peixe, que no Cristianismo significa Deus, Jesus Cristo e os próprios cristãos. Ligia, uma linda polonesa, desenha na areia um peixe, por quem se apaixona personagem principal, Marcos Vinicius. O peixe é atraído primeiro por um espião e depois pelo mártir Chilon Chilonides, em busca de cristãos.

O antigo símbolo cristão do peixe confere à narrativa do escritor não apenas um sabor histórico especial. O leitor, acompanhando os personagens, também começa a refletir sobre o significado desse símbolo e a compreender misteriosamente a teologia cristã.

No aspecto da finalidade funcional, distinguem-se imagens de heróis, imagens (fotos) da natureza, imagens-coisas e imagens-detalhes.

Por fim, no aspecto da construção (regras de alegoria, transferência de significados), distinguem-se imagens-símbolos artísticos e tropos.

4. Trilhas de arte

Na estilística e na retórica, os tropos artísticos são elementos da figuratividade do discurso. Tropos (tropos gregos - rotatividade) são modos de falar especiais que lhe conferem visibilidade, vivacidade, emotividade e beleza. Os tropos pressupõem a conversão de uma palavra, uma revolução na sua semântica. Eles surgem quando as palavras são usadas não de forma direta, mas em sentido figurado; quando, por meio da correspondência por adjacência, as expressões enriquecem-se mutuamente com um espectro de significados lexicais.

Por exemplo, em um dos A.K. Tolstoi lemos:

Um machado afiado feriu uma bétula,

Lágrimas rolaram pela casca prateada;

Não chore, pobre bétula, não reclame!

A ferida não é fatal, estará curada no verão...

Nas linhas acima, de fato, é recriada a história de uma bétula de primavera, que sofreu danos mecânicos na casca da árvore. A árvore, segundo o poeta, preparava-se para acordar de uma longa hibernação. Mas apareceu uma certa pessoa malvada (ou simplesmente distraída), quis beber seiva de bétula, fez uma incisão (entalhe), saciou a sede e foi embora. E o suco continua fluindo da incisão.

A textura específica da trama é vivida de forma aguda por A.K. Tolstoi. Ele simpatiza com a bétula e considera sua história uma violação das leis da vida, uma violação da beleza, uma espécie de drama mundial.

Para tanto, o artista recorre a substituições verbo-lexicais. O poeta chama a incisão (ou entalhe) na casca de “ferida”. E seiva de bétula - "lágrimas" (é claro, a bétula não pode tê-las). As trilhas ajudam o autor a identificar a bétula e a pessoa; expressar em um poema a ideia de misericórdia, compaixão por todos os seres vivos.

Na poética, os tropos artísticos mantêm o significado que têm na estilística e na retórica. Os tropos são chamados de voltas poéticas da linguagem, implicando na transferência de significados.

Distinguir os seguintes tipos tropos artísticos: metonímia, sinédoque, alegoria, símile, metáfora, personificação, epíteto.

A metonímia é o tipo mais simples de alegoria, envolvendo a substituição de um nome pelo seu sinônimo lexical ("machado" em vez de: "machado"). Ou um resultado semântico (por exemplo, a era “de ouro” da literatura russa” em vez de: “literatura russa do século XIX”). A metonímia (transferência) está subjacente a qualquer tropo. Metonímicas, segundo M. R. Lvov, são “conexões por adjacência”.

Sinédoque é uma metonímia em que o nome é substituído por um nome mais restrito ou mais amplo em semântica (por exemplo, “intrometido” em vez de “homem” (com nariz grande) ou “bípede” em vez de: “pessoas ”). Um nome substituto é identificado por sua característica, que nomeia o nome substituto.

Uma alegoria é uma alegoria figurativa destinada à decodificação racional (por exemplo, o Lobo e o Espreitador na famosa fábula de I. A. Krylov “O Lobo no Canil” são facilmente decifrados pelas imagens de Napoleão e Kutuzov). A imagem na alegoria desempenha um papel subordinado. Ele incorpora sensualmente alguma ideia significativa; serve como uma ilustração inequívoca, um "hieróglifo" de um conceito abstrato.

A comparação é uma metonímia que se revela em dois componentes: comparar e comparar. E é formado gramaticalmente com a ajuda de conjunções: “like”, “as if”, “as if”, etc.

Por exemplo, S.A. Yesenina: "E as bétulas (componente de comparação) parecem grandes velas (componente de comparação)."

A comparação ajuda a ver o assunto de um ponto de vista novo e inesperado. Destaca nele características ocultas ou até então despercebidas; dá-lhe um novo ser semântico. Assim, a comparação com velas "dá" às bétulas de Yesenin harmonia, suavidade, calor e beleza ofuscante, característica de todas as velas. Além disso, as árvores, graças a tal comparação, são entendidas como vivas, chegando até a Deus (já que as velas, via de regra, queimam no templo).

Metáfora, de acordo com a definição justa de A.A. Potebni, existe uma "comparação abreviada". Ele detecta apenas um – o componente de comparação. Comparável – é especulado pelo leitor. A metáfora é usada por A.K. Tolstoi em uma linha sobre uma bétula ferida e chorosa. O poeta aparentemente fornece apenas uma palavra de substituição (componente comparativo) - “lágrimas”. E o substituído (componente comparável) - "seiva de bétula" - é conjecturado por nós.

A metáfora é uma analogia oculta. Este tropo cresce geneticamente a partir da comparação, mas não tem estrutura nem desenho gramatical (não são utilizadas as conjunções “como”, “como se”, etc.).

Personificação é a personificação (“renascimento”) da natureza inanimada. Graças à personificação, a terra, o barro e as pedras adquirem características antropomórficas (humanas), organicidade.

Muitas vezes, a natureza é comparada a um misterioso organismo vivo na obra do poeta russo S.A. Simenin. Ele diz:

Onde há manchas de repolho

O nascer do sol derrama água vermelha,

Pequeno útero de árvore de bordo

O úbere verde é uma merda.

Um epíteto não é uma definição simples, mas metafórica. Surge pela conjugação de conceitos heterogêneos (aproximadamente de acordo com o seguinte esquema: casca + prata = “casca prateada”). O epíteto abre os limites das características tradicionais de um objeto e adiciona novas propriedades a eles (por exemplo, o epíteto “prata” dá ao objeto (“casca”) consistente com ele as seguintes novas características: “leve”, “brilhante” , “limpo”, “preto”) .

5. Imagens-símbolos artísticos

A imagem-símbolo artística se opõe fundamentalmente aos elementos figurativos do discurso. Tem uma estrutura única, um propósito especial.

O tropo surge no aspecto de uma substituição racional e facilmente legível de um nome por outro. Ele assume uma alegoria simples e inequívoca (as lágrimas são apenas seiva de bétula, Lobo e Espreitador são apenas Napoleão e Kutuzov). Uma ideia abstrata, sentimento, ideia moral no caminho é substituída por uma imagem, uma “imagem”.

A imagem-símbolo está relacionada com as imagens tradicionais da cultura: símbolos e arquétipos (o contexto literário os “transforma” em imagens-símbolos). Ele descobre que a alegoria é complexa, polissemântica. A imagem-símbolo não é a comemoração de uma coisa, de uma ideia, de um fenômeno, mas de uma série de coisas, de um espectro de ideias, de um mundo de fenômenos. Esta imagem artística atravessa todos os planos do ser e encarna o absoluto no relativo, o eterno no temporal. Como um símbolo universal, uma imagem-símbolo atrai para si conjuntos concebíveis de significados de uma coisa e torna-se como resultado (nas palavras de K.V. Bobkov) “como se fosse o centro de todos os significados, de onde seu desdobramento gradual pode ocorrer. ”

Um comentário exaustivo sobre a ambigüidade de alguns sinais é feito por Vyach. I. Ivanov no artigo "Simbolismo e criatividade religiosa". Ele diz: “Não se pode dizer que a cobra, como símbolo, significa apenas “sabedoria”<...>. Caso contrário, o símbolo é um simples hieróglifo, e a combinação de vários símbolos é uma alegoria figurativa, uma mensagem criptografada que deve ser lida usando a chave encontrada. Se o símbolo for um hieróglifo, então o hieróglifo é misterioso, significativo, ambíguo. Em diferentes esferas da consciência, o mesmo símbolo adquire significado diferente. Assim, a cobra tem uma relação significativa simultaneamente com a terra e a encarnação, o sexo e a morte, a visão e o conhecimento, a tentação e a santificação.

Vemos um exemplo clássico de simbolização de uma imagem artística na bela miniatura de I.F. Annensky "Entre os mundos":

Entre os mundos, no brilho das estrelas

Uma Estrela repito o nome...

Não porque eu a amo

Mas porque definho com os outros.

E se eu duvidar que é difícil,

Eu rezo apenas para ela por uma resposta,

Não porque está escuro sem ela,

Mas porque com Ela não há necessidade de luz.

A estrela do poema do poeta não é apenas uma mulher amada. A estrela significa um sonho “azul”, um ideal inacessível e sublime, o sentido da vida, a verdade, o amor. Também pode mostrar a imagem de Cristo, que é “a estrela resplandecente da manhã”.

Pensando em imagens

Imagem de Cristo

Imagem romântica de um herói romântico

A imagem dos elementos furiosos

Noite tranquila de verão

A imagem do trabalho árduo das pessoas comuns

Uma imagem de uma perda trágica

A imagem da diversão desenfreada do feriado nacional

10. Como é criada uma imagem artística?

11.

12. Digitação

13.

14. Isso acontece porque nos versos poéticos, nos sons da música, encontramos o nosso “eu”, sentimentos e pensamentos consoantes com os nossos.

15.

16.

17.

18. Um artista pode ver a mesma pessoa de maneiras completamente diferentes. O pintor impressionista francês Auguste Renoir dirigiu-se três vezes a

19.

20. Em diferentes épocas, a imagem do imortal Hamlet, Príncipe da Dinamarca, também foi interpretada de forma diferente. No século 18, ele era o epítome de um falador e falador vazio, no século 19

21.

22.

23.

24.

25.

26. Verdade e plausibilidade na arte

27. Desde a antiguidade, as pessoas definiram o grau de perfeição das obras de arte de diferentes maneiras. O mais simples é descobrir como

28. JW Goethe “Sobre verdade e plausibilidade em obras de arte”

29. Mesmo uma cópia muito exata é sem vida e desinteressante.

30.

Introdução

Que termos não foram inventados para penetrar no mistério da imagem artística, para compreendê-la e explicá-la. Ele ainda não quer ser explicado... Ele, como um arco-íris, se afasta de nós exatamente tanto quanto nos aproximamos dele. Ele é como um veloz que não consegue decolar do chão e que sempre precisa de espaço para descer. A imagem artística permanece ela mesma onde quer que esteja: na literatura, na palavra, na música, na arquitetura, na dança, na pintura - em todas estas formas clássicas de arte, bem como no modo de vida, no seu estilo e significado .

Então, o que é uma imagem artística?

Uma imagem artística é uma forma de pensamento artístico, alegórico, revelando um fenômeno através de outro. O artista, por assim dizer, empurra os fenômenos uns contra os outros e produz faíscas que iluminam a vida com uma nova luz.

A imagem artística é filha nativa da tradição, fecundada pela inspiração do artista.

A imagem artística é tão profunda e rica em significado e significado quanto a própria vida.

A imagem artística é a unidade de pensamento e sentimento, racional e emocional. Onde mesmo um destes princípios desaparece, o próprio pensamento artístico desintegra-se, a arte termina.

EU. Segredos da imagem artística

A imagem artística é a menor e indecomponível “célula” do “tecido” artístico.

Uma imagem artística é uma imagem da arte, que é criada pelo autor de uma obra de arte para revelar da forma mais completa o fenômeno descrito da realidade, esta é uma categoria geral de criatividade artística, um método e resultado de dominar a vida na arte .

A imagem artística é dialética: combina a contemplação viva e sua interpretação subjetiva, e a avaliação do autor (bem como do performer, ouvinte, leitor, espectador).

A imagem artística é a menor e indecomponível “célula” do “tecido” artístico, que capta todas as características principais da arte: a imagem artística é uma forma de cognição da realidade e ao mesmo tempo a sua avaliação, expressando a atitude do artista para o mundo; a imagem artística funde o objetivo e o subjetivo, o material e o espiritual, o externo e o interno; sendo um reflexo da realidade, a imagem artística é também a sua transformação, pois deve captar a unidade do objeto e do sujeito e, portanto, não pode ser uma simples cópia do seu protótipo de vida; Por fim, ao transmitir às pessoas o que o artista quer dizer sobre o mundo e sobre si mesmo, a imagem artística atua tanto como um significado definido (poético, ideológico e estético) quanto como um signo específico que carrega esse significado. Uma estrutura tão única do “tecido” artístico aproxima a arte, num aspecto, da ciência, noutro - da moralidade, no terceiro - dos produtos da criatividade técnica, no quarto - da linguagem, permitindo à arte manter a soberania, uma vez que acaba por ser um portador de informações específicas, inacessíveis a todas as outras formas de consciência social. Portanto, a relação entre a arte e outras formas de exploração humana do mundo acaba por se basear na dialética da reaproximação mútua e da repulsa mútua, cujas formas específicas são determinadas por diversas necessidades sócio-históricas e ideológicas de classe; num caso, a arte aproxima-se da religião e é repelida pela ciência, noutro, pelo contrário, é considerada um método de cognição, semelhante à ciência e hostil à religião, no terceiro, opõe-se a outros tipos de não- atividades estéticas, utilitárias e comparadas a um jogo, etc.

Como a arte abrange muitos tipos, gêneros, gêneros, os princípios gerais da estrutura artístico-figurativa são refratados em cada um deles à sua maneira. Assim, cada método específico de atividade artística possui um conteúdo e uma forma especiais, que determinam suas possibilidades peculiares de influenciar uma pessoa e um lugar específico na cultura artística. É por isso que, em diferentes situações históricas e culturais, a literatura, a música, o teatro, a pintura desempenharam um papel desigual na vida espiritual da sociedade e, da mesma forma, os géneros épicos, líricos, dramáticos da criatividade artística, bem como os géneros do romance, teve uma participação diferente em diferentes estágios de desenvolvimento artístico e histórias, poemas e sinfonias, pinturas históricas e naturezas mortas. A teoria estética sempre se inclinou a absolutizar a relação concreta das artes que lhe eram contemporâneas, como resultado da qual qualquer tipo, gênero, gênero de arte era exaltado em detrimento de outros e percebido como uma espécie de "modelo ideal" de criatividade artística, capaz de representar da forma mais plena e vívida a sua essência. Tal abordagem unilateral é superada com sucesso na ciência estética marxista, que persegue cada vez mais consistentemente a ideia da igualdade fundamental de todos os tipos, tipos e gêneros de arte e ao mesmo tempo revela as razões pelas quais cada um deles chega ao frente em um ou outro era histórica. Como resultado, a estética tem a oportunidade de identificar as leis gerais da arte que fundamentam todas as suas formas específicas, depois as leis morfológicas da transição do geral para o particular e o individual e, finalmente, as leis históricas do desenvolvimento desigual. de tipos, gêneros, gêneros de arte.

Uma descrição ampla das especificidades da imagem artística foi dada pelo filósofo russo A.F. Losev: “Qualquer imagem verdadeiramente artística nunca é entendida por nós como uma soma racional de algumas características discretas, mas como algo vivo, de cujas profundezas pulsa uma fonte inquieta e que não podemos cobrir imediatamente com nossos métodos racionais. você nunca consegue olhar o suficiente Por mais que olhemos para ela, isso significa que por mais profundamente que percebamos uma imagem artística, sempre permanece nela algo incompreensível e inesgotável, que nos emociona cada vez que percebemos essa imagem. a arte a imita puramente externamente, calculada para um efeito externo, então as verdadeiras obras de arte exigem uma leitura cuidadosa, “afinal, a arte só é possível quando há necessidade de autoconstrução da imagem - através do domínio do vocabulário, das formas e elementos de conteúdo, e só então fornece comunicação.”

Arte é pensar em imagens

Há uma lenda sobre o talentoso artista cipriota Pigmalião, que esculpiu uma estátua de marfim de uma garota de uma beleza tão extraordinária que ele próprio se apaixonou por sua própria criação. Ele deu à estátua roupas luxuosas, joias, flores e, aquecida pelo enorme poder dos sentimentos humanos, a escultura ganhou vida.

É possível que a estátua de uma linda garota, criada a partir de material "não vivo", de repente ganhou vida própria e despertou um sentimento tão forte em uma pessoa? Como acontece o milagre de transformar um bloco de granito ou uma combinação de palavras, cores, sons no que mais tarde chamamos de obra de arte?

Dizem: arte é a capacidade de “esculpir”, “compor”, “desenhar”, “retratar”. E isso é verdade, pois no sentido comum a palavra “arte” significa maestria, a habilidade de uma pessoa desenvolvida por habilidade ou estudo. Mas por que nem tudo que uma pessoa moldou, pintou, compôs com habilidade e até maestria, se torna uma obra de arte?
A arte começa com o fato de o artista ser capaz, como Pigmalião, de “suspirar vida” no mármore sem alma, na tela cinza, nas simples palavras em prosa. Se o mármore morto pode tornar-se terno feminino, como na Vênus de Milo, ou pensativo e pensativo, como em O Pensador, de O. Rodin; Se palavras simples Os poemas de Pushkin "Eu te amei: o amor ainda, talvez, não tenha morrido completamente em minha alma ...", onde quase discurso coloquial transmitia um elevado sentimento de amor, percebido como modelo de poesia real, então, pergunta-se, o que significa - “compor”, “esculpir”, “esculpir”?

Como você sabe, um lírio, uma mancha colorida, uma nota sonora pode perturbar, acalmar, incomodar, encantar, ou seja, evocar certas emoções. Uma linha suave pode, em nossa mente, assemelhar-se ao caule de uma flor inclinada, ou à trajetória de um foguete que decolou, ou a uma onda do mar que se aproxima. As expressões faciais de um rosto humano podem transmitir sofrimento, alegria, raiva, ansiedade. Mas por mais expressivos (“belos”) que sejam esses meios, mesmo o domínio deles ainda não constitui o que é comumente chamado de criatividade artística.

O mundo real é a base para a criatividade artística

Uma imagem artística é uma forma especial de reflexão e cognição da realidade inerente à arte. Com a ajuda da ficção criativa, o artista cria uma imagem da realidade (objeto, acontecimento, pessoa), onde a generalização aparece de forma concreto-sensual e esteticamente expressiva. Vamos explicar esta definição com mais detalhes.

Enfatizando que a arte é um reflexo da realidade, indicamos a fonte de onde o artista extrai os temas e ideias de suas obras. Todas as observações e ideias são extraídas por ele do mundo real circundante. E mesmo o que acontece num conto de fadas, numa fábula ou num romance de fantasia - tudo é sugerido ao artista pela vida. Mas este é precisamente o segredo e o segredo da arte: ela não copia nem fotografa a realidade, não a retrata literalmente. Uma obra de arte é sempre baseada em um fato real. Mas por mais fiel e detalhadamente que esse fato (um acontecimento, um objeto, uma pessoa específica) seja transferido para a tela de um pintor ou para as páginas de um romance, ele não se tornará um fato artístico. Para que isso aconteça, o fato real deve passar pelos sentimentos, pela mente e pela imaginação do artista, evocar uma resposta em sua alma, excitá-lo e despertar o desejo de criatividade. O profundo conhecimento e compreensão da realidade é a primeira condição para a criatividade do artista. Mas para que a verdade da vida se torne a verdade da própria arte, isso não é suficiente.

Uma imagem artística plena é sempre o resultado de uma fusão orgânica do que “vem” da realidade com o que “vem” do próprio artista.

4. O conceito de convenção na arte

A imagem criada pelo artista, percebida por nós como

“a verdade da vida” é de natureza condicional. Literalmente qualquer arte. No teatro, antes do início da apresentação, a cortina se abre e nós, espectadores, fingimos não perceber a ausência da quarta parede no palco, e os atores “não nos notam”. As pinceladas de tinta de um tubo tornam-se, por vontade do pintor, “céu”, “rio”, “árvores”, “rosto humano”, sem deixar de ser pinceladas de tinta, e acreditamos na verdade do que é retratado em tela. A bailarina da dança expressa os sentimentos de Julieta, que vê Romeu morto e se prepara para morrer. Alguém na vida dança diante da morte ou dessa declaração de amor? E acreditamos nisso, experimentando um sentimento de compaixão ou alegria. O elemento de convencionalidade é indispensável na arte, uma vez que o artista não pode simplesmente reproduzir os factos da vida “tal como são”. A. M. Gorky escreveu que um fato não é toda a verdade, é apenas uma matéria-prima da qual se pode fundir, extrair a verdade real da arte. Portanto, nem toda semelhança com a vida significa a verdade da arte, a verdade artística. Não a semelhança externa com um fato da vida, mas a penetração em seu significado mais íntimo - é isso que torna a imagem verdadeira.

Assim, chegamos à ideia do poder generalizador da imagem artística, importante para a compreensão da essência da arte. Representando a vida visualmente, concretamente - de forma que qualquer imagem, objeto ou pessoa possa ser vista, ouvida, tocada, o artista não se contenta nem mesmo com a mais magistral transferência de detalhes, detalhes de um objeto ou traços de caráter humano. Cria uma imagem generalizada ou um personagem típico. A criação de personagens e circunstâncias típicas expressa a essência da arte realista, seu método criativo.

II. Imagem artística na literatura

Imagem artística e figuratividade na literatura

A imagem é o conceito básico da literatura e da estética em geral, que determina a natureza, forma e função da criatividade artística e literária. No centro da imagem está uma imagem da vida humana, mostrada de forma extremamente individualizada, mas ao mesmo tempo carregando um princípio generalizado, permitindo ao leitor adivinhar por trás dela aqueles padrões do processo de vida que formam as pessoas deste tipo particular. . Um exemplo disso é Gambrinus de Kuprin. Na imagem de Sasha, longe da política, está retratada a imagem de um homem dos anos 10 do século XX, que passou pela guerra, foi paralisado pela vida, mas não perdeu a dignidade humana: “Uma pessoa pode ser aleijado, mas a arte tudo suportará e vencerá tudo.” Na história de Platonov “Em um mundo lindo e furioso”, Alexander Vasilyevich Maltsev serve como exemplo de uma nova pessoa que ama a tecnologia, vive uma vida plena (para ele, uma locomotiva a vapor é o sentido e a felicidade da vida).

Como a imagem de um indivíduo adquire um caráter generalizado, a ficção artística participa de sua criação. A ficção reforça o significado generalizado da imagem. O sentido generalizante da imagem é indissociável da ideia de ideal do escritor, enfatiza o que ajuda a estabelecer esse ideal ou o contradiz, como evidenciam os exemplos acima.

Uma pessoa está em estreita ligação com o mundo natural, para retratá-la o escritor precisa revelar essas conexões, mostrar uma pessoa em todas as suas interações com todos os aspectos da vida em geral. Assim, o escritor se depara com a tarefa de mostrar uma pessoa no ambiente social, natural, material e outros que a cercam, onde ela realmente se encontra. Nesse sentido, a imagem não é apenas a imagem de uma pessoa (a imagem de Eugene Onegin, por exemplo) - é a imagem de um ser humano

vida, no centro da qual está uma pessoa, mas que inclui tudo o que a rodeia na vida. Portanto, podemos definir imagem como uma imagem da vida humana, individualizada, generalizada, criada com o auxílio da ficção e com valor estético. Ao mesmo tempo, deve-se ter em mente que em uma determinada obra de arte uma pessoa é mostrada em vários momentos de sua vida, no cruzamento com muitas outras pessoas, portanto, ao estudar uma obra literária, nem sempre é é fácil separar de forma direta uma imagem da outra, nos deparamos com vários aspectos desta ou daquela imagem, isso ocorre em vários episódios simultaneamente com outras imagens. A imagem que aparece na obra é muito versátil. É mais fácil falar dele na dramaturgia, onde costuma ser associado à aparência real do personagem que está no palco e é retratado diretamente pelo artista. Na prosa, isso se dá de forma mais complexa, em interação com a fala do autor; nas letras, temos apenas uma experiência separada, uma manifestação separada da imagem, que juntas nos permitem falar de um herói lírico. Na crítica, muitas vezes encontramos o uso do termo "imagem" tanto no sentido mais restrito quanto no mais amplo da palavra. Assim, muitas vezes qualquer expressão colorida, cada tropo é chamado de imagem, por exemplo: "Eu roeria a burocracia como um lobo." Nestes casos, é necessário acrescentar uma “imagem verbal”, pois nesta comparação não existem aquelas propriedades gerais que, como mencionado acima, são geralmente inerentes à imagem como imagem da vida humana. Às vezes falam da imagem, referindo-se a algum detalhe específico da narrativa - “a imagem de um banco”, etc. Nesses casos, deve-se falar de detalhe figurativo ou artístico, e não de imagem. Enfim, a imagem às vezes é muito ampliada, falam da imagem do povo, da imagem da pátria. Nestes casos, é mais correcto falar de uma ideia, de um tema, de um problema, digamos, de um povo, pois como fenómeno individual não pode ser descrito numa obra, embora o seu significado artístico seja extremamente elevado. O termo deve ter um significado geralmente aceito, portanto, suas diversas interpretações devem ser evitadas. O principal é entender que a imagem reflete a vida em toda a sua complexidade e versatilidade.

A imagem do narrador

“Imagem do narrador”, “imagem do autor”, “narrador” - conceitos que servem para designar aquelas características da linguagem de uma obra de arte que não podem ser associadas à fala de um ou outro dos personagens da obra. , que não podem ser associadas à fala de um ou outro personagem da obra, mas ao mesmo tempo possuem certo significado artístico no decorrer da história. O mais simples nesta série é o narrador, ou seja, um personagem que, com suas peculiaridades de fala, fala de si mesmo ou de outras pessoas ou acontecimentos aos quais esteve associado (por exemplo, em A Filha do Capitão, Pushkin conta toda a história em nome de Grinev, que conta em suas notas sobre as aventuras que viveu, sobre as quais o narrador se conta na Casa de Chekhov com Mezanino). O narrador pode incluir outros personagens na narração e na fala, mas apenas no processo de contar sobre si mesmo. Ao mesmo tempo, sua maneira de falar se caracteriza, revela os traços de seu caráter. O narrador pode tanto conduzir diretamente a história, quanto escrever notas, diários, etc. As formas de sua imagem de fala podem ser variadas, mas ele é um determinado personagem, de uma forma ou de outra delineado na própria narração.

Porém, é muito mais comum um tipo de narração em que uma série de características da fala não estão de forma alguma ligadas às características da fala dos personagens, mas representam a chamada fala do autor. É fácil, porém, perceber que a fala desse autor dá ao leitor a impressão de alguém que lhe conta sobre pessoas e acontecimentos, avalia-os sob um determinado ponto de vista; imaginamos, por assim dizer, o portador desse tipo especial de discurso, embora ele não seja personificado sob a forma de nenhuma das pessoas que atuam na obra. Isso se expressa em epítetos, comparações, entonações, etc., que criam em nós uma certa atitude em relação a este ou aquele personagem, às vezes na intervenção direta no texto nas chamadas digressões líricas, etc.

Diante do leitor surge um tipo especial de imagem do narrador, que se manifesta apenas na fala, expressando sua atitude diante do que fala. A imagem do narrador pode ora ser como que oculta, quase imperceptível, ora, pelo contrário, ativa, claramente expressa, dependendo das tarefas que o escritor se propõe. Às vezes, a imagem do narrador também é chamada de imagem do autor. Isso não é verdade, pois pode levar à identificação da linguagem que caracteriza a imagem do narrador e do próprio escritor. Entretanto, esta é uma imagem artística criada pelo escritor especificamente para esta obra, e por um escritor, portanto, pode haver diferentes imagens do narrador em diferentes obras, como, por exemplo, M. Gorky em "Velha Izergil" e em "Konovalov". O estudo das características da imagem do narrador na análise da obra é essencial.

3. O papel do detalhe na criação de uma imagem artística

O detalhe artístico é um dos meios de criação de uma imagem artística, que ajuda a apresentar a imagem, objeto ou personagem retratado pelo autor com uma individualidade única. Um detalhe pode reproduzir características de aparência, vestuário, ambiente ou experiência.

Por exemplo, Mark Twain em As Aventuras de Tom Sawyer menciona como, antes de uma briga, Tom "desenha uma linha na poeira com o dedo do pé descalço na frente de um menino vestido com capacete, mesmo durante a semana". O detalhe faz pensar, entender a diferença de status social dos personagens, de seu modo de vida.

Em O destino de um homem, M. Sholokhov conta como Vanyusha perguntou a Sokolov onde estava seu casaco de couro. A partir desse detalhe, pode-se imaginar o passado do menino, seus pensamentos sobre seu verdadeiro pai-piloto, etc. O detalhe é criado pela imaginação criativa do escritor, não deve ser confundido com a realidade - aquelas características e fatos da realidade que são inerentes à vida que cerca o escritor e por isso se refletem na obra, deixando uma certa marca da época nele. Chekhov chama Chervyakov em "A Morte de um Oficial" de executor, porque em sua época um servo júnior da casa era chamado assim. A realidade pode constituir a base de um detalhe artístico. L. Tolstoi termina o segundo volume de "Guerra e Paz" com uma descrição do cometa de 1811, não só para dar precisão histórica à narrativa, mas também para transmitir o bom humor de Pierre após uma conversa com Natasha.

Tempo e espaço artístico na literatura

A literatura pertence, segundo a divisão das artes, proposta pelo educador e teórico da arte alemão do século XVIII,

G.E. Lessing, às chamadas artes “espaço-temporais”.

O tempo, junto com o espaço (as propriedades mais gerais do ser), é retratado em uma palavra no processo de revelar personagens, situações, caminho da vida herói, discurso, etc. (M. Bakhtin sugeriu designar a imagem do tempo e do espaço com o termo “cronotopo”).

Três galopes do cavalo de Ilya Muromets (“O primeiro galope saltou - quinze milhas ...”, etc.) - esta é ao mesmo tempo uma imagem do espaço (as extensões da terra russa) e do tempo no épico. O tempo é medido pelos saltos de um cavalo heróico, que de vez em quando se torna mais maravilhoso, comprimindo vitoriosamente o espaço.

O elemento de conto de fadas na representação épica do tempo não destrói a realidade do mundo, ele contém as possibilidades fantásticas do poder do homem sobre a natureza.

A imagem do tempo é um problema ideológico e artístico importante para o escritor, tanto quando o tempo não é alocado na obra, quanto quando o autor lembra persistentemente do tempo. Em A. Pushkin, a imagem do tempo é natural, como se imperceptível, mas é caracterizada pela precisão documental. Muitos capítulos do romance em verso "Eugene Onegin" começam com uma representação lírica de uma mudança na vida da natureza: "O inverno estava esperando, a natureza estava esperando. A neve caiu apenas em janeiro. No terceiro, à noite, acordando cedo, Tatyana viu pela janela ... ”(cap. 5); “Estamos dirigindo com os raios da primavera, a neve já fugiu das montanhas circundantes...” (cap. 7) e outros.

São conhecidas tentativas de conciliar o tempo artístico e o tempo real. Tal tentativa foi o drama do classicismo com seu princípio de três unidades, em particular a unidade do tempo - um acontecimento, “encaixado em um dia”; este princípio determinou o rápido desenvolvimento da ação no drama.

O escritor às vezes faz o tempo durar, esticando-o para transmitir um certo estado psicológico do herói (a história de A. Chekhov "Eu quero dormir"), às vezes para, desliga o tempo artístico (digressões do autor de N.V. Gogol em "Dead Souls"), às vezes força o tempo a avançar e retroceder em direção ao futuro.

Freqüentemente, especialmente entre os românticos, o passado, o presente e o futuro se opõem como incompatíveis entre si. Os escritores “reprovam” o presente sem heróis com o passado heróico (“Heróis, não você! - M. Lermontov. Borodino.)

A personificação do tempo reflete a luta acirrada entre o realismo e os representantes dos métodos não realistas que criam concepções subjetivas do tempo. Esses conceitos refletem o medo do futuro, a descrença na história.

O que fez homem primitivo gastar energia desenhando? Parece real? Semelhante, mas não exatamente. Detenhamo-nos nessas imprecisões: os chifres são obviamente mais longos do que na realidade; o peito é mais volumoso.... ...aquelas partes do corpo que representam perigo são exageradas.... Acontece que o desenho não é uma cópia de um animal real, é uma imagem simbólica, que inclui um aviso: atenção, ameaça à vida!

“O fenômeno do povo. Patriotas russos expulsando ladrões e canalhas” 1999–2000 Ivanov Alexander Andreevich. A aparição de Cristo ao povo “O que você acha que o artista quis nos transmitir nesta obra?” "O que podemos dizer sobre os personagens da imagem?" "Onde isso está acontecendo?" "Quando isso poderia acontecer?" Esta é uma enorme obra do artista S. Bocharov, de três por seis metros. Surpreende pela sua composição complexa e pelo enorme poder da pintura nas cores vermelho e ocre-dourado, derramando uma suculenta chuva de luz nos rostos do público. O triângulo clássico e a curva oval formam a base da composição da pintura. O artista nos remete à maior obra-prima de Alexander Ivanov, A Aparição de Cristo ao Povo. Como se continuasse o tema da história bíblica, a ação moderna novo emprego Sergei Bocharov é transferido para Moscou, para a barragem Sofiyskaya do rio Moskva, onde o papel de João Batista é desempenhado pelo Metropolita João de São Petersburgo e Ladoga, até o fim de seus dias o pastor espiritual do movimento patriótico ortodoxo em Rússia. Foi ele quem disse que existem dois partidos na Rússia: o partido dos patriotas e o partido dos ladrões. O partido dos ladrões e exilados: Gorbachev, Yeltsin, Gusinsky, Borovoy, Novodvorskaya, Yushenkov, Berezovsky e outros. O brilho em Vasilyevsky Spusk simboliza o povo. O quadro é dedicado aos patriotas da Rússia e foi pintado pelo artista com o objetivo de reunir a força punitiva na luta contra o regime antipopular num punho de homens da Rússia. Um grupo de esquadrões populares em cota de malha russa antiga é liderado por Jorge, o Vitorioso, em cuja imagem as feições do comandante G. Zhukov são reconhecíveis. O cavalo é ricamente adornado com um arreio milagroso - um símbolo da imensa riqueza espiritual e de matéria-prima da Rússia.

Ele corre pelo espaço iluminado da Praça Manezhnaya, cobrindo a cabeça com as mãos. homem pequeno. Este é o povo russo fugindo da nuvem negra de mentiras que cobria céu azul Rússia. Retratei 500 jornalistas que trazem mentiras e abominações das telas de TV e dos jornais, enganando nosso povo. Eles são retratados de forma bastante realista, não há sarcasmo aqui, eles são apresentados como são na vida. Abaixo está o Metropolita de São Petersburgo e Ladoga John - uma imagem de força espiritual. Ele é um pastor que lidera o povo. E a garota que segura sua mão, olhando para nós com ansiedade e esperança de ajuda, simboliza a Rússia. O artista coloca na imagem um bando de corvos em dois triângulos que se cruzam, pairando sobre o panorama de todo o nosso país. Ela está usando um vestido vermelho. A bétula rompe uma misteriosa nuvem escura de corvos, e um pequeno raio de luz da noite incide sobre o antigo Kremlin.

O diretor de cinema Federico Fellini, na abertura da exposição individual de Bocharov em Roma, disse sobre ele: “O encontro com o maravilhoso artista russo Sergei Bocharov aconteceu no Grande Prêmio da exposição Paisagens de Veneza. Nunca antes vi uma pintura moderna tão convincente em termos profissionais. Como membro da comissão, não hesitou em dar o primeiro lugar à sua fotografia. O artista mostrou Veneza como uma beleza, no entardecer intenso, cor principal do sol poente, chorando, e isso não podia deixar de me tocar. Anteriormente, Sergei estudou com os grandes italianos da Renascença. Agora os italianos estão aprendendo com ele. Ele ensina pintura em Roma. E brilhante. Depois de pintar a "Taverna Giovanni" perto do Vaticano, ele se tornou um grande italiano. Para este trabalho dei-lhe o fraque do meu avô, para que nele abrisse todas as suas aberturas até o fim da vida, e ele cumpre este juramento. "Veneza. Canal Branco" 1995

O artista atua nos gêneros retrato, paisagem, natureza morta, pintura de cavalete. Suas pinturas estão em coleções de museus russos e estrangeiros, em galerias privadas e coleções na Alemanha, Noruega, Japão, Coréia, França, EUA, Itália. "Masha. Natureza morta com flores silvestres”, Óleo sobre tela. 100x100

Sibéria. Mosteiro de Abalak Não muito longe de Tobolsk, sobre o grande Irtysh, ergue-se como um herói da Terra Siberiana - um mosteiro. A pintura foi pintada durante uma exposição em Tobolsk e faz parte da coleção da Galeria de Imagens de Tobolsk.

Pintura de teto em Tobolsk "Nikolsky Spusk. Pessoas notáveis ​​​​da Rússia pré-revolucionária,

Ele ensinou pintura na VGIK. Como artista cinematográfico, participou da criação de 18 filmes, entre eles Stalker, A Trip to Wiesbaden, Young Fun e outros. Atualmente é professor de pintura nas academias de artes italiana e austríaca. Vive e trabalha permanentemente em Moscou. "Flores" 1974 Óleo sobre tela 108 x 96

Em 27 de setembro de 1953, na vila de Bagan, região de Novosibirsk, nasceu o destacado artista russo do nosso tempo, SERGEI PETROVICH BOCHAROV, Sergei Petrovich Bocharov, um artista de grande temperamento e coragem, que tem o dom de um colorista, um senso de forma, desenho preciso, escrita de gênero, pintura, retrato, paisagem, natureza morta. Realismo, ideologia profunda, serviço patriótico sincero à sua Pátria e ao Povo fazem com que a sua obra se relacione com a arte dos Andarilhos. Sergei Bocharov pertence inteiramente ao nosso tempo e partilha as suas opiniões, sentimentos e até erros. Sua pintura é marcada pelo selo de talhe doce de sua época. O lema do trabalho do artista são as palavras de Aristóteles: “O propósito da arte é humanizar os sentimentos humanos!”

“Não conheço um único artista moderno que pinte um retrato com tanta habilidade como este russo, Bocharov. Ele não só possui uma técnica de pintura brilhante, mas também o caráter de um filósofo. Sergei Bocharov retratou-me com uma expressão de apaixonado impulso espiritual. Ele me mostrou o que posso e devo me tornar. A imagem mostra uma personalidade harmoniosa com plena personificação de sentimentos e pensamentos. No retrato, ele me elevou tão alto que lutarei pelo meu ideal por toda a vida!” Pavorotti

Do livro de visitas: Olga Nelidova Pintar é vida, e quem cria viverá sempre! Sergei, suas pinturas são brilhantes e calorosas, quando você mergulha na sua espiritualidade, você se encontra em uma atmosfera onde sopra a inspiração. Achei que em nossa época havia pouca criatividade boa, mas você me dissuadiu disso.... Muito obrigado, sua criatividade é magnífica! Desejo-lhe saúde e muito sucesso criativo! Mark Sr. Bocharov, você é um homem muito corajoso! Você é um patriota. Mestre! Tão lindo que faz meu coração bater mais forte!!! Ao olhar essas fotos, a sensação de que já viu tudo uma vez não vai embora! Artista talentoso! As paisagens do artista Vika são tão realistas que criam a ilusão de estar no espaço retratado: você está sentado à beira-mar, em uma janela aberta em Veneza ou Moscou, respirando ar puro, repleto de cheiros familiares desde a infância, e tudo é tão reconhecível, querido e querido ao coração! Obrigado, Sergey, pelo seu trabalho talentoso! Olga Bystrova Quero escrever minha opinião. Fico encantada com seu gosto, sua coragem, visão bela e verdadeira da vida. Esse amor pelo povo da Rússia é suficiente para todos nós! Saúde para você por longos anos vida para o bem da Rússia………………..

A arte não copia a vida, ela aguça significados importantes para a vida. Diz-nos quem ele é, a pessoa que o retratou? Para que ele viveu? Como ele viu este mundo e por que exatamente? E então vamos “lançar o arco” sobre nós mesmos, pois o que estou vivendo? O valor da vida como tal é importante para mim e quão importante é a continuação da vida para a humanidade moderna? Falando em arte, estamos olhando para o seu criador - o Homem, e conectamos o passado distante, o presente e nós mesmos em um ponto. “Nem suspeitei que estudando cultura artística nos conhecemos. Como pessoa e como continuação da cultura de toda a humanidade” Aluno do 10º ano

A parábola do filho pródigo Certo homem tinha dois filhos; e o mais novo deles disse ao pai: “Pai! Dê-me a próxima parte da propriedade. E o pai dividiu a propriedade entre eles. Depois de alguns dias, o filho mais novo, tendo juntado tudo, foi para um país distante e lá desperdiçou seus bens, vivendo dissolutamente. Quando ele viveu tudo, houve uma grande fome naquele país e ele começou a passar necessidade. E ele foi e se uniu a um dos habitantes daquele país; e ele o enviou aos seus campos para alimentar os porcos. E ele ficou feliz em encher a barriga com os chifres que os porcos comiam; mas ninguém deu a ele. Quando recobrou o juízo, disse: “Quantos mercenários de meu pai têm sobra de pão e estou morrendo de fome! Vou me levantar e ir até meu pai e dizer-lhe: “Pai! Pequei contra o céu e diante de ti e já não sou digno de ser chamado teu filho; aceite-me como um de seus empregados." Ele se levantou e foi até seu pai. E quando ele ainda estava longe, seu pai o viu e teve pena; e, correndo, caiu em seu pescoço e o beijou. O filho lhe disse: “Pai! Pequei contra o céu e diante de você e não sou mais digno de ser chamado de seu filho”. E o pai disse aos seus servos: “Tragam as melhores roupas e vistam-no, e ponham-lhe um anel na mão e sapatos nos pés. E traga um bezerro cevado e mate-o; Vamos comer e nos divertir! Pois este meu filho estava morto e está vivo; Achados e perdidos." E eles começaram a se divertir. Seu filho mais velho estava no campo; voltando, ao se aproximar de casa, ouviu cantos e alegria. E, chamando um dos servos, perguntou: “O que é isso?” Ele lhe disse: “Seu irmão chegou; e teu pai matou o bezerro cevado, porque o recebeu são. Ele ficou irado e não quis entrar, mas seu Pai, saindo, o chamou. Mas ele disse em resposta ao pai: “Eis que te servi por tantos anos e nunca transgredi a tua ordem; mas você nunca me deu um filho para me divertir com meus amigos. E quando chegou este teu filho, que esbanjou os seus bens com prostitutas, mataste-lhe um bezerro cevado.

"O Retorno do Filho Pródigo" Oleg Korolev, 2008 Harmens van Rijn Rembrandt Tarefa: Comparar diferentes abordagens para interpretar uma parábola bíblica. Determine como a ideia de perdão está incorporada em cada pintura O Retorno do Filho Pródigo não é apenas uma pintura brilhante, mas também um convite à reflexão sobre o eterno tema do perdão e do arrependimento. É fácil pedir perdão? Você precisa perdoar? Como lidar com a traição?

Natureza morta - retrato Qual dos professores da nossa escola está representado neste slide?

Recursos: Arte na Escola (2009, 5). Apenas no tópico. K. Brosova (professor de música do ginásio "UVK 1" em Voronezh) "Por que um aluno deveria estudar o MHK" (p) Solomatina G.L., professora da escola secundária MHK MOU 2, Kamenki, região de Penza

A professora de arte Tolkacheva E.Yu.

Alvo: Formação de competências-chave nos alunos, incl. compreensão do mundo cultura artística como um valor estético, cuja posse faz parte do modelo moderno de pós-graduação.

Tarefas:

1. Apresentar aos alunos o conceito de “imagem artística”.

2. Revele a natureza da imagem artística.

3. Cultivar uma atitude criativa para a compreensão de obras de vários tipos de arte.

Formulário de aula: aula de discussão.

Durante as aulas.

diapositivo 1.

Professor: Cada obra de arte tem uma ideia expressa em um objeto específico retratado pelo autor da obra, seja ele um músico ou artista, um escultor ou um poeta. Uma obra de arte não pode ser considerada arte se não carrega algum significado alegórico, mesmo que vejamos e compreendamos o que o seu autor nos retratou. Arte é arte porque o fundo semântico nela incorporado carrega algo mais.

Qualquer imagem está associada a uma intenção subjetiva do autor, que é recriada e incorporada em uma imagem ou outra. A lição de hoje nos permitirá conhecer os segredos da imagem artística.

Ouçam, pessoal, um trecho de uma lenda antiga.

Diapositivo 2.

Estudante: Uma antiga lenda conta a história de uma competição entre dois pintores, Zeuxis e Parrhasius. Eles discutiram sobre qual deles era mais talentoso e cada um decidiu impressionar as pessoas com algo incomum, fora do comum. Pintava-se um cacho de uvas de tal maneira que os pássaros, sem suspeitar de nada, afluíam para bicar os frutos. Outro pintou uma cortina em cima do quadro, com tanta habilidade que um rival que veio ver seu trabalho tentou arrancar a capa pintada.

Professor: O que vocês acham, pessoal, quem foi premiado com a vitória?

(Respostas dos alunos)

– Sim, a vitória foi atribuída ao segundo pintor, pois é muito mais difícil “enganar” um artista do que os pássaros.

Desde os tempos antigos, as pessoas medem o grau de perfeição das obras de arte de diferentes maneiras. A forma mais simplificada consistia em descobrir o quanto uma obra de arte se assemelha à vida. Parece que tudo está claro. Se parecer, ótimo. Se for muito parecido - talentoso. E se é tão parecido com a vida que é impossível distinguir, é brilhante. Vamos tentar avaliar vários trabalhos.

Deslize 3.

– Antes de você trabalhar, que retrata a mesma estação - outono. Qual você acha que é mais perfeito e qual é menos? Por que?

(O aluno responde com uma explicação do seu ponto de vista).

slide 4.

– Muitos filósofos, como Aristóteles, acreditavam que a verdade absoluta na "imitação" da natureza não poderia ser exigida de um artista. Aristóteles disse com razão que “a arte completa em parte o que a natureza é incapaz de fazer”. Veja a reprodução da pintura "La Giaconda" de Leonardo da Vinci e tente provar a veracidade das palavras de Aristóteles.

(Respostas dos alunos)

Diapositivo 5.

– Mais tarde, o poeta alemão J. W. Goethe escreveu em seu artigo “Sobre a verdade e a plausibilidade nas obras de arte”: “Um artista que é grato à natureza... a traz de volta... a natureza, humanamente completada. Assim, o artista não deve de forma alguma lutar por uma reprodução absolutamente precisa da realidade. Como confirmação disso, vemos no slide a obra de Claude Monet. Pode-se argumentar que o mar retratado pelo pintor é verdadeiro e realista?

(O aluno responde.)

diapositivo 6.

– No slide você vê estruturas arquitetônicas. O que eles lembram você?(O aluno responde).

– Hoje costuma-se dizer que um artista pensa em imagens, enquanto a própria arte é definida pela já clássica frase de V. G. Belinsky: “Arte é pensar em imagens”. Mas qual é a peculiaridade do pensamento artístico? Onde está o segredo da fantasia criativa que gera o mundo em que vivem os heróis das obras, se desenrolam acontecimentos dramáticos, se decidem os destinos das pessoas? O segredo está no nosso conhecimento do mundo que nos rodeia e na nossa atitude em relação a ele.

Na vida cotidiana estamos rodeados de muitas coisas, vários eventos e fenômenos se desenrolam diante de nossos olhos. Todos estes são pré-requisitos necessários para a criação de obras de arte. Mas eles se tornam assim apenas na refração dos pensamentos e na expressão dos sentimentos humanos. Nem todo mundo é capaz de expressar claramente seus sentimentos. Isto é apenas para artistas.

Diapositivo 7.

Numa obra de arte, os fenômenos da realidade e a imaginação criativa do artista se fundem. Ele vê o mundo “através do cristal mágico” da percepção artística. Em sua mente nasce uma imagem artística - uma forma especial de refletir a vida, na qual se refrata o próprio mundo de sentimentos e experiências do artista.

A imagem artística apenas a princípio parece ser um “instantâneo” da realidade. Na verdade, é uma janela para o mundo ilimitado de pensamentos, sentimentos e ideias do artista. Sem sua atitude individual perante a vida, seu humor pessoal, não há imagem artística. Uma cópia, mesmo que muito precisa, é sem vida e desinteressante. Ao contrário dela, a imagem artística é sempre um pouco misteriosa, um mistério. Aqui estão várias imagens da mesma pessoa - o compositor austríaco Wolfgang Amadeus Mozart.

(Os alunos recebem uma tarefa escrita para descrever a imagem do compositor, escolhendo uma das imagens. Soa a música de A. Mozart).

– Qual é a imagem do grande gênio diante de você?(Enquete Blitz) .

– Qual deve ser a proporção entre ficção e realidade em uma obra de arte? Voltemo-nos para a comédia do antigo dramaturgo grego Aristófanes "Os Sapos".

diapositivo 8.

(Os alunos representam um trecho de uma comédia.)

(Contém uma disputa entre dois grandes trágicos - Ésquilo e Eurípides. À pergunta de Ésquilo: “Por que um poeta deveria ser admirado?” - Eurípides responde: “Pela sua arte e pelas instruções, - pelo fato de que nós (ou seja, poetas ) fazer as melhores pessoas no Estado." Eurípides censura Ésquilo por trazer ao palco “os monstros do impossível, do desconhecido e do espectador”, mostra as pessoas como deveriam ser, e não como realmente são. O próprio Eurípides aparece aqui como um naturalista grosseiro, explicando sua visão sobre a arte desta forma:

Eu trouxe à tona no drama nossa vida, costumes, hábitos,

Qualquer um poderia me testar.

Entendendo tudo, espectador

Poderia me condenar, mas não me vangloriei em vão.

Afinal, o espectador vai descobrir sozinho, e eu não o assustei...) Gente, de que lado está Aristófanes? Qual deles está mais certo?

(O aluno responde).

O autor da peça dá preferência a Ésquilo, que educa uma pessoa moral e “esconde coisas imorais”. A partir de seus “discursos verdadeiros” a cidade se encheu de “cafetões”, “vagabundos”, “escriturários e bufões”, “esposas infiéis”. A respeito de Eurípides, Aristófanes exclama: “Que problemas ele causou!” A conclusão é:

Zeus vê, isso é verdade, mas todas as coisas vergonhosas devem ser escondidas dos poetas

E eles não deveriam ser trazidos ao palco; não há necessidade de prestar atenção a eles

Assim como um professor instrui as crianças sobre a mente, as pessoas que já são adultas são poetas.

Somente o útil deve ser glorificado pelo poeta.

Como vemos, a verdade indisfarçável por si só não pode ser o principal critério da arte. Mas até que ponto a ficção é permitida na arte? A este respeito, é interessante a ideia expressa pelo artista chinês Qi Baishi: “É preciso escrever de tal forma que a imagem fique algures entre o semelhante e o diferente. Muito parecido - imitando a natureza, não muito parecido - falta de respeito por ela.

diapositivo 9.

– Nesse sentido, precisamos conhecer um conceito como a convenção na arte, sem a qual é impossível compreender a essência da imagem artística. Convencionalidade na arte é uma mudança nas formas usuais de objetos e fenômenos por vontade do artista. Convencionalidade é algo que não ocorre no mundo exterior. Condicionalmente, por exemplo, a divisão da peça em atos e ações. Na vida, a cortina realmente não cai lugar interessante e a morte do herói não espera até o final da peça. Uma velha piada teatral: “Por que ele morreu? Do quinto ato. Numa apresentação de balé, não nos parece estranho que diante da morte ou ao declarar seu amor, os personagens realizem certos movimentos rítmicos, criem um padrão coreográfico complexo. A “mudez” dos bailarinos apenas permite enfatizar com mais força a eloquência dos seus gestos.

E quantos incidentes fascinantes foram inventados por escritores de ficção científica! Voos para outros planetas, encontros com marcianos inexistentes, guerras com eles... Lembre-se de "Aelita" de AN Tolstoy ou "Guerra dos Mundos" de G. Wells. É realismo? Claro que não. Mas essas obras estão tão longe da vida? Tanto na ficção científica quanto nos contos de fadas, o improvável se mistura habilmente com o real. Lembre-se das palavras de A.S. Pushkin: "Um conto de fadas é uma mentira, mas há uma dica nele! .." Em outras palavras, uma obra de arte nos detalhes, em particular, pode permitir a ficção, mas no principal - em uma história sobre pessoas , deve ser verdade.

diapositivo 10.

– Você já viu a pintura "Terra dos Preguiçosos" de P. Brueghel? A princípio, ela parece longe da realidade, mas sua linguagem condicional deve ser capaz de decifrar. Tente fazer você mesmo.

(Respostas exemplares: Nossos olhos são atraídos pelas figuras de três preguiças caídas no chão: um soldado, um camponês e um escritor (possivelmente um estudante errante). Há muitos detalhes divertidos na imagem que você não percebe imediatamente . Uma paliçada tecida com salsichas, uma montanha de papas doces cercam o país da abundância. Um porco assado corre pelo prado com uma faca na lateral, como se se oferecesse para se cortar em pedaços, bolos fundidos que lembram um cacto, um ovo no pernas... E o telhado, que serve de abrigo do sol em forma de tampo redondo, é enfiado no tronco de uma árvore e forrado com todo tipo de louça... Todos esses detalhes artísticos realçam ainda mais o espetáculo de " preguiça mundial" e ao mesmo tempo encarnar alegoricamente sonho eterno sobre abundância, prosperidade, vida pacífica e despreocupada).

– A “escala de convenções” na arte pode expandir-se ou contrair-se. Se se expandir, surge uma questão razoável: “A plausibilidade não está muito quebrada?” Se, pelo contrário, se estreitar, corre-se o risco de cair no naturalismo. A convencionalidade nunca é um fim em si para o artista, é apenas um meio de transmitir o pensamento do autor. O artista não deve perder o sentido de proporção no uso da convencionalidade, caso contrário poderá destruir a imagem artística.

diapositivo 11 (ao som da música "Swan" de Saint-Saens).

A seguinte série de vídeos ajudará a ver e ouvir imagens artísticas em diversas obras de arte e mais uma vez confirmará que a imagem artística é uma forma especial de refletir a vida, na qual não apenas o mundo de sentimentos e experiências do próprio artista é refratado, mas também o mundo dos sentimentos de todos aqueles que o veem, ouvem e compreendem.

diapositivo 12.

Trabalho de casa (variável) :

1. É possível concordar com a afirmação de Platão de que a arte, que reproduz o mundo objetivo, é apenas uma “sombra de uma sombra”, uma “cópia de uma cópia” do mundo real? Explique sua resposta.

2. O poeta inglês W. Blake tem estes versos:

Veja a eternidade em um momento

O vasto mundo está num grão de areia,

Em um único punhado - infinito

E o céu está em uma xícara de flor.

Que relação podem ter estas palavras do poeta com a natureza da imagem artística? Explique sua resposta.
3. Prepare um ensaio “Verdade e ficção em obras de ficção ou contos populares”.