O propósito das danças sagradas da Grécia antiga. Coreografia antiga da Grécia

Em todos os momentos, a dança sempre fez parte integrante da vida quotidiana das pessoas e da vida em geral. Ele acompanhou uma pessoa tanto na alegria quanto na tristeza, criando o clima que era necessário. Naturalmente, as danças dos tempos antigos eram muito diferentes das coreografias modernas. Mas é importante notar que na antiguidade eles não recebiam menos atenção do que hoje. Por exemplo, em Grécia antiga a dança era considerada um verdadeiro presente inestimável dos deuses. As composições de dança da Grécia Antiga eram a personificação da unidade da beleza física e mental, independentemente da época. Com a ajuda de tais passos, acompanhados por uma bela melodia, as pessoas puderam tocar o Divino mesmo que por um momento. O homem da antiguidade sentia com muito rigor a harmonia do terreno e do Divino e tentava encontrá-la em si mesmo e no mundo ao seu redor.

Danças antigas

A combinação de movimentos especiais das mãos e passos rítmicos criou uma dança antiga. A coreografia da Grécia Antiga distinguia-se por uma adesão bastante estrita ao ritmo, o que conferia uma fantástica “correcção” a toda a acção e criava um espectáculo inimitável. Quase todo mundo sabia dançar na Grécia Antiga, pois o currículo escolar incluía uma aula de dança obrigatória. Conceito dança grega antiga era a beleza, a harmonia e a elegância de cada movimento. Cada passo deve expressar os sentimentos e emoções reais do dançarino.

Variedades de dança grega antiga

Na Grécia Antiga, as danças eram bastante diversas e tinham significados muito diferentes - desde simples e banais até significativas e sérias. Todas as duzentas apresentações coreográficas existentes podem ser divididas em cinco grupos condicionais, a saber: civil, palco, doméstico, ritual e sagrado. Estes últimos foram dedicados principalmente a Atenas, Afrodite e Dionísio. A maioria um representante proeminente As danças civis eram pirrhiha, ou seja, uma dança militar com uso de armas que imitavam diversas técnicas de luta.

As danças militares não eram usadas para diversão, mas para incutir o senso de dever e o espírito de luta, necessários nas batalhas. As danças militares se distinguiam por apresentações bastante complexas e uma rica variedade de movimentos. Entre outras coisas, vários objetos eram frequentemente utilizados em tais ações: lanças, espadas, dardos, tochas, escudos, arcos, etc.

As danças de palco da Grécia Antiga, criadas separadamente para cada gênero de apresentação teatral, eram especialmente complexas e originais. Esta dança baseava-se na criação de uma batida especial, que era batida com os pés através de sandálias especiais de madeira ou ferro. Toda a apresentação coreográfica foi complementada por castanholas feitas de conchas de ostra, usadas nos dedos médios.

A evidência está na escultura e na pintura de vasos, nas obras de poetas, escritores e artistas. Divisão em participantes e espectadores, livres no desejo - dançar ou não dançar, assistir ou não assistir. O ritual começou a ser substituído pelo físico e pelo entretenimento. Toda a vida da Grécia está permeada de euritmia. A dança era uma das disciplinas educacionais, e adultos e cidadãos de pleno direito continuaram a estudar. Dançar é para espectadores, não pelo prazer de pular e nem para seu próprio entretenimento. Todos os cidadãos possuíam alguma técnica de dança. Cinco grupos: danças de guerra - rituais e educativas; culto moderado - emmélia, dança dos véus e danças das cariátides, bem como danças de nascimento, casamento e funeral; dança orgiástica; danças públicas e danças teatrais; dançando na vida cotidiana. As danças sagradas refletiam certos dias do ano civil de trabalho. Existem dois cultos de dança principais: “luz” em homenagem ao deus Apolo e “escuro” em homenagem ao deus Dionísio. As danças militares na Grécia Antiga desempenharam um grande papel em incutir coragem, patriotismo e um senso de dever nos jovens ("pyrrhichion", "pyrrhich"). Danças sociais e cotidianas (domésticas, urbanas, rurais) acompanhavam celebrações familiares e pessoais, urbanas e feriados nacionais. Danças de palco Dr.Gr. faziam parte de apresentações teatrais, e cada gênero tinha suas próprias danças: emmelia é característica da tragédia, cordak é característica da comédia e sikkanida é característica do drama satírico. Dança dos véus e dança das cariátides. Sikkanida Kubiki - danças acrobáticas. Mina mima.

Técnica de dança de H. Limon.

José Arcadio Limon nasceu em 12 de janeiro de 1908 na cidade mexicana de Culiacán e era o mais velho de doze filhos da família. Em 1915, aos 7 anos, emigrou com os pais para os Estados Unidos, para Los Angeles.

Depois da formatura ensino médio Lincoln, Limon entrou na Universidade da Califórnia em Los Angeles para estudar Artes visuais. Em 1928 mudou-se para Nova York, onde começou a estudar na New York School of Design. Em 1929, depois de ver as apresentações dos alunos de Rudolf von Laban, Harold Kretzberg e Yvonne Giorgi, Limón se interessou pela dança.

Tendo começado a estudar na escola de Doris Humphrey] e Charles Weidman], um ano depois estreou na Broadway. Ao mesmo tempo, Limon tentou pela primeira vez como coreógrafo: encenou “Etude in D Minor” para si e Laetitia Ide; os “extras” foram as suas colegas Eleanor King e Ernestina Stoddel.

Ao longo da década de 1930, Lemon dançou com a trupe Humphrey-Weidman, participando de produções de Doris Humphrey e Charles Weidman, e também trabalhou na Broadway: em 1932-1933 atuou na revista Americana e no musical de Irving Berlin Enquanto milhares de pessoas comemoram(coreografia de Charles Weidman), colaborou como coreógrafo com o New Amsterdam Theatre.

Em 1937, Lemon participou do programa do Bennington Dance Festival. No festival de 1939, realizado no Mills College, criou sua primeira grande obra coreográfica, Danças Mexicanas ( Danças Mexicanas).

No ano seguinte, Lemon se apresentou como solista na revista “Don’t Walk on Lawns” (coreografia de George Balanchine).

Em 1941, ele deixou a trupe Humphrey-Weidman para colaborar com May O'Donnell]. Juntos, eles encenaram obras como Letra de Guerra E Elevador de cortina, no entanto, ele voltou para Humphrey e Weidman. Nessa época ele conheceu Pauline Lawrence e eles se casaram em 3 de outubro de 1942. Nesse mesmo ano, junto com Mary-Ellen Moylan, Lemon dançou no musical Rosalind (coreografado por George Balanchine), que se tornou o último espetáculo da Broadway com sua participação.

Em seguida, criou números sobre música clássica e temas folclóricos no Studio Theatre, até que em abril de 1943 foi convocado para o Serviço Especial do Exército dos EUA], criado em 1940 especificamente para manter o espírito do soldado durante a guerra. Durante seu serviço, colaborou com compositores como Frank Loesser e Alex North], e criou diversas produções, a mais famosa delas é Concerto Grasso.

Depois de completar o serviço militar em 1946, Limón recebeu a cidadania americana.

Em 1947, Limón criou sua própria trupe, a Companhia de Dança José Limón ( Companhia de Dança José Limón), cuja direção artística ofereceu a Doris Humphrey (assim, a trupe de Limon tornou-se a primeira companhia de dança moderna dos Estados Unidos cujo diretor artístico não foi ao mesmo tempo seu fundador). A trupe, cujos dançarinos incluíam Paolina Kohner, Lucas Howing, Betty Jones, Ruth Carrier e o próprio Limón José, estreou no Bennington College Festival com produções de Doris Humphrey Lamento E A História da Humanidade.

O dançarino e coreógrafo Louis Falco também dançou com a companhia entre 1960-1970 e 1974-1975. atuou em "The Moor's Pavan", dirigido por Jose Limon junto com Rudolf Nureyev. Enquanto trabalhava com Humphrey, Lemon desenvolveu um repertório e estabeleceu os princípios de seu próprio estilo. Em 1947, a trupe fez sua estreia no Belasco Theatre de Nova York com a produção de Day on Earth de Humphrey. Em 1948, a trupe se apresentou pela primeira vez no Connecticut College American Dance Festival e posteriormente participou dele por muitos anos. Depois de encenar "The Moor's Pavane", Limón recebeu o prêmio anual da Dance Magazine por coreografia de destaque. Na primavera de 1950, Limon e sua trupe se apresentaram em Paris com Page Ruth, tornando-se os primeiros representantes da dança moderna americana na Europa. Durante a vida de Limon, sua trupe percorreu o mundo inteiro e continuou suas atividades após sua morte.

Em 1951, Limon ingressou no corpo docente da Juilliard School, onde foi criada uma nova direção de dança. Também aceitou convite do Instituto Nacional de Belas Artes da Cidade do México, para o qual criou seis produções. Entre 1953 e 1956, Limón coreografou e interpretou os papéis do espetáculo Ruínas e Visões E Ritmo Jondo Dóris Humphrey. Em 1954, a trupe de Limón se tornou uma das primeiras a aproveitar as vantagens do Programa Internacional de Intercâmbio de Estudantes do Departamento de Estado dos EUA e viajou pela América do Sul. Eles logo embarcaram em uma viagem de cinco meses pela Europa, Oriente Médio e, novamente, pelo Sul e América Central. Durante esse tempo, Lemon recebeu seu segundo prêmio da Dance Magazine.

Em 1958, Doris Humphrey, que havia sido diretora artística da trupe durante todos esses anos, morreu, e José Limon teve que ocupar seu lugar. Entre 1958 e 1960 houve produções conjuntas com Poalina Koner. Durante este tempo, Lemon recebeu um doutorado honorário da Wesleyan University. Em 1962, a trupe se apresentou no Central Park para abrir o Festival de Shakespeare de Nova York. No ano seguinte, sob os auspícios do Departamento de Estado dos EUA, a trupe fez uma viagem de doze semanas ao Extremo Oriente, atuando na produção O Demônio, cujo acompanhamento musical pertenceu ao compositor Paul Hindemith. Hindemith conduziu pessoalmente a estreia.

Em 1964, Limón recebeu o prêmio da empresa Capezio e foi nomeado diretor artístico do American Dance Theatre no Lincoln Center. No ano seguinte, Limón apareceu em um programa educacional nacional de televisão chamado José Limón Dance Theatre. Alguns anos depois, fundou a Jose Limon Dance Foundation e recebeu outro doutorado honorário da Universidade da Carolina do Norte. Em 1966, após se apresentar com a trupe no Washington catedral, Limon recebeu um subsídio governamental de US$ 23.000 do National Endowment for the Arts. No ano seguinte Limón trabalhou na coreografia da produção Salmo, que lhe rendeu um doutorado honorário do Colby College. Ele e sua trupe também foram convidados a se apresentar na Casa Branca para o presidente Lyndon Johnson e o rei Hassan II do Marrocos. Última apresentação A estreia de José Limon como dançarino começou em 1969, quando atuou nas produções da Brooklyn Academy of Music de The Traitor e The Moor's Pavane. No mesmo ano, concluiu mais dois trabalhos e recebeu o doutorado honorário do Oberlin College.

Os monumentos de arte e literatura que chegaram até nós provam que a dança em Antigo Egito não teve pouca importância. No círculo doméstico, em lugar público, no templo - a dança é encontrada sempre e em toda parte. Quase nenhum festival, nem uma única cerimônia religiosa solene estava completa sem dança.

Na Grécia, todos dançavam - desde os camponeses até Sócrates. A dança não era apenas uma das disciplinas educacionais gerais, mas os adultos também continuaram a aprendê-la de boa vontade (por exemplo, Sócrates, na velhice, ficou ansioso para aprender uma dança de que gostasse.

Segundo a lenda, as danças sagradas foram transferidas do Egito para a Grécia por Orfeu. Ele os viu durante os festivais do templo dos egípcios. Mas ele subordinou seus movimentos e gestos ao seu próprio ritmo, e eles se tornaram mais consistentes com o caráter e o espírito dos gregos. Estas danças eram executadas ao som da lira e distinguiam-se pela sua beleza austera. Os feriados e, portanto, as danças, eram frequentemente dedicados a diferentes deuses: Dionísio, a deusa Afrodite, Atenas. Eles refletiam determinados dias do ano civil de trabalho.

As danças militares na Grécia Antiga desempenharam um grande papel em incutir coragem, patriotismo e senso de dever entre os jovens. Normalmente, os militares, os penteados e as danças eram executados por duas pessoas. Havia também pirrquias em massa, nas quais apenas os rapazes dançavam, e às vezes as meninas dançavam junto com os rapazes. As danças militares reproduziam batalhas, diversas formações de combate, eram composições coreográficas complexas. Nas mãos dos dançarinos estavam arcos, flechas, escudos, tochas acesas, espadas, lanças e dardos. Os enredos das danças heróicas, via de regra, refletiam mitos e lendas sobre heróis.

Tendo em conta o importante papel que a dança desempenhava nos rituais egípcios, existiam obviamente instituições especiais onde se formavam bailarinos, músicos e cantores; há mesmo indícios de que o templo de Amon possuía uma escola coreográfica própria que formava sacerdotisas-dançarinas

Os deuses patronos da diversão, da música e da dança entre os egípcios eram Hathor, Nehemaut e o anão barbudo Hatiy. Haty sempre foi retratado cumprimentando o deus sol ou dançando e tocando instrumentos musicais na frente dele ou na frente da deusa Hathor.

Coreografia como forma de arte única e sintética

Introdução

As danças medievais são um reflexo do período negro da Idade Média. Suas danças da corte significado histórico.

Danças folclóricas e de corte do Renascimento. O surgimento do Ballet e sua influência no meio social vida politica. Design artístico dos balés da era Medici

5. Arte da dança dos séculos XVII-XVIII. Luís XIV e balé. O surgimento da música de balé e dos balés de história. Danças de corte nas assembléias sob Pedro 1. Dançarinos-reformadores Maria Camargo e Auguste Vestris. JJ Nover e suas reformas.

A era dos balés românticos do século XIX e seus representantes. Balés de Arthur Saint-Leon e seu significado histórico. Marius Petipa e Pyotr Ilyich Tchaikovsky - criadores de obras-primas balé clássico. Novas tendências na arte da dança do final do século XIX

O desenvolvimento da arte da dança desde o início do século XX até os dias atuais.

Conclusão

Introdução

A coreografia e a dança têm uma história secular própria, descrita por historiadores e especialistas em teatro com base nas memórias de testemunhas oculares e contemporâneos, imagens de artistas e inúmeras lendas sobre a dança e a arte da dança. A arte da dança é única porque reflete e reflete a vida, a moral e os costumes das pessoas através da misteriosa linguagem da plasticidade e dos gestos. A singularidade da coreografia reside também no facto de combinar a arte da dança, do teatro, da música e das artes plásticas, se se trata de um espectáculo de dança.

Sujeito e objeto de pesquisa. A coreografia como forma de arte única e sintética que interage estreitamente com a música e as artes visuais.

Propósito do estudo. Determine a singularidade e o significado da arte da dança em cada estágio desenvolvimento histórico, bem como analisar a relação da coreografia com outras formas de arte.

A relevância da pesquisa. A arte da coreografia é interessante até hoje, em nossa época. Portanto, a questão da singularidade da coreografia, do seu significado na vida das pessoas e na história, e da sua relação com outras formas de arte não pode deixar de ser relevante.

Minha pesquisa revela a essência e o significado da dança durante um longo período de tempo - desde o período grego antigo até os dias atuais. A dança acompanhou as magníficas celebrações e feriados da Grécia e Roma Antigas, bailes medievais e torneios de cavaleiros, luxuosas apresentações teatrais durante o reinado dos reis franceses e, finalmente, transforma-se em uma forma de arte separada e especial - a arte da coreografia.

Ainda durante o estudo, é possível perceber como acontecimentos históricos importantes influenciaram a arte da dança, e a arte da dança influenciou a moda, a cultura, os costumes e até mesmo a vida política de um determinado período da história. Isto foi especialmente notável durante o reinado de Catarina de Médicis e do rei Luís 14.

A origem e o significado da dança na história. Arte de dança como componente importante teatro da Grécia antiga e a vida dos antigos gregos

As raízes da arte da dança remontam a um passado distante e remontam à era dos tempos comunais primitivos, quando a dança e os gestos desempenhavam um papel significativo na vida. homem antigo, como métodos de comunicação comunicativa antes do surgimento e desenvolvimento da fala sonora.

Mais tarde, a dança adquiriu significado ritual - as pessoas passaram a dançar durante casamentos e cerimônias religiosas, rituais militares, ritos de mudança de estação, nascimento de filhos ou funerais. A dança unia as pessoas e não era apenas uma forma de comunicação e entretenimento, mas também um meio de expressar o seu estado de espírito, pensamentos e emoções. Sob a influência de acontecimentos históricos em mudança, em ligação com o advento de novos valores espirituais e culturais e de novas estéticas, o significado da dança e as suas funções principais estão a mudar gradualmente.

Vamos começar nossa excursão pela história estudando dança na Grécia Antiga. O que havia de único na arte da dança da Grécia Antiga? E que importância teve a dança na vida dos gregos?

É sabido que os antigos gregos deixaram uma marca tangível na história da arte e da cultura mundial. Conhecemos os nomes dos grandes dramaturgos gregos antigos - Ésquilo, Sófocles, Eurípides, Aristófanes. Admiramos os majestosos arcos e colunas, cariátides, estátuas de deuses e heróis da Grécia antiga. Foi então, naqueles tempos distantes, Atenção especial foca na beleza e estética corpo humano, movimentos e poses e, claro, dança.

As danças na Grécia Antiga eram divididas em rituais (sagradas, cerimoniais), sociais, de palco e militares. Assim, as danças gregas antigas faziam parte das apresentações teatrais. Todos os jovens gregos foram obrigados a aprender a arte da dança militar.

Na Grécia, todos dançavam, independentemente da idade e posição social, e adoravam feriados e entretenimento, que muitas vezes eram acompanhados por apresentações teatrais, canções, danças e toques de instrumentos musicais.

O feriado em homenagem ao deus Dionísio ou Grande Dionísia era celebrado várias vezes por ano em Atenas. O feriado durou vários dias: o templo de Dionísio foi decorado, grandes procissões foram organizadas, canções de louvor foram cantadas e competições teatrais foram organizadas para autores de drama, tragédia e comédia. Os poetas-autores também foram diretores, coreógrafos e até, não raramente, atores em suas obras.

Dance no santuário de Dionísio. Vaso ático do século V. AC.

“Existem rapazes e donzelas florescentes, desejados por muitos,
Eles dançam em coro circular, entrelaçando gentilmente as mãos.
Virgens em linho e roupas leves, jovens em vestes
Eles estão vestidos com roupas leves e sua pureza, como o óleo, brilha;
Essas - lindas guirlandas de flores decoram a todos;
São facas douradas, em cintos prateados pendurados nos ombros.
Eles dançam e giram com seus pés habilidosos,
Tão fácil quanto girar uma roda com mãos experientes,
Se um pobre o testa para ver se consegue girar com facilidade;
Então eles irão se desenvolver e dançar em filas, um após o outro.

(Homero "Ilíada", tradução de N.I. Gnedich)

As danças teatrais da Grécia antiga incluem emmelia, cordac e sikkinida. Dançar como parte de uma tragédia ( emélia) era bastante lento e majestoso, e os gestos nele ( quironomia) - largo, grande. O Kordak consistia em cenas cômicas inseridas, uma espécie de bufonaria coreográfica. Essa dança era bastante obscena, executada em ritmo acelerado, com agachamentos, saltos e “saltos para o céu”. O refrão da comédia "Vespas" de Aristófanes acompanha esta dança violenta e desenfreada com estas palavras:

Gire cada vez mais rápido!

A dança de Frínico!

Jogue os pés mais alto!

Deixe o público suspirar: “ah, ah!”

Vendo saltos altos no céu.

Gire, dê cambalhotas e bata na barriga!

Jogue as pernas para frente, gire como um pião...

Kordak. Pintura em vaso, século V. AC e.

A dança do drama satírico - Sikinnis - tinha muito em comum com ela, focando nos gostos das pessoas comuns e muitas vezes representando uma paródia de vários lados vida pública.

Dança de dois sátiros. Pintura de vaso, primeira metade do século V. AC e.

Danças complexas, com elementos e truques acrobáticos, eram executadas por dançarinos profissionais, acrobatas e malabaristas. Eles foram acompanhados por instrumentos musicais. Luciano descreveu em seu tratado: “E em Delos, mesmo os sacrifícios comuns não podiam ser feitos sem dança, mas eram acompanhados por ela e executados com música. Os jovens, reunidos em roda, apresentavam-se ritmicamente em roda ao som da flauta e da cítara, sendo a dança propriamente dita executada pelos melhores bailarinos seleccionados entre eles. Portanto, as músicas escritas para essas danças circulares eram chamadas de “refrões de dança”, e todas Poesia lírica cheio deles."

Uma vez a cada quatro anos, era celebrado um feriado em homenagem à deusa Atena - a padroeira da cidade de Atenas - Grande Panateneia. O feriado consistia em uma procissão de tochas até a estátua de Atena, oferecendo numerosos e ricos presentes à amada deusa: roupas, obras de arte, animais de sacrifício, flores, e também era acompanhada por danças de guerra. Pyrrhiha pertence às danças militares mais marcantes.

Pirra, dança guerreira

Segundo uma lenda, o primeiro intérprete da dança de Pirro foi Pallas Athena. Ela dançou em homenagem à vitória sobre os Titãs. Outra lenda afirma que foi inventado pelo rei Pirro. A maioria dos pesquisadores tende a pensar que o nome vem da palavra “pira” - “fogueira”, em torno da qual Aquiles dançou no funeral de Pátroclo. Para a dança de Pirro, os dançarinos usavam trajes de guerreiro. Nas mãos tinham arco, escudo, flechas ou outras armas. Eles galoparam para frente, saltando de uma perna para a outra; em seguida, vários movimentos e combinações militares foram realizados - atacaram-se em fileiras retas, fecharam-se em um círculo comum, saltaram em grupos, ajoelharam-se, etc.

Um casamento grego também era acompanhado de danças, cantos e certos rituais. Eis como Homero descreve o processo do casamento: “Lá, as noivas são escoltadas desde os palácios, lâmpadas acesas com brilho, canções de casamento com cliques, pelas cem praças da cidade. Os jovens dançam em coros, entre eles ouvem-se sons alegres de liras e flautas; esposas respeitáveis ​​​​olham para eles e ficam maravilhadas, paradas nas varandas dos portões. A mãe da noiva acendeu uma tocha na lareira e seguiu a carroça junto com parentes e convidados. Alguns carregavam tochas para iluminar a estrada, outros carregavam presentes e tipo especial tripé, lutrofor e kalpides para rituais de casamento, muitos cantavam canções de casamento e dançavam ao acompanhamento de aulos e liras, exclamações dirigidas a Hymen soavam por todo o caminho até a casa do noivo.”

A dança na Grécia antiga era complexa, virtuosa e certamente desenvolvida esteticamente. Isso é evidenciado por afrescos e desenhos da Grécia Antiga, que retratam movimentos e poses pronunciados, enfatizando a beleza das linhas do corpo humano e a “aparência” das pernas.

Pintura de Ariball, Dançarinos saltadores, final do século VI. AC e.

Dançarinos e acrobatas. Obra do mestre de círculo Polignoto, ca. 430 a.C. e.

SOBRE alto nível O desenvolvimento da dança grega antiga também é evidenciado pelo raciocínio dos filósofos sobre a dança. E isso não foi surpreendente, porque a dança na Grécia Antiga fazia parte das ciências filosóficas - era estudada nos ginásios, junto com a música, a filosofia e outras disciplinas. Numerosos tratados foram escritos sobre a conexão entre dança e filosofia por antigos filósofos gregos - Platão, Plutarco, Xenofonte, Luciano e outros. Os filósofos não estavam apenas interessados ​​na arte da dança, mas também adoravam dançar. Xenofonte escreveu: “Até os o sábio Sócrates adorava a dança de Mênfida e, muitas vezes, quando seus conhecidos o viam dançando, ele lhes dizia que dançar é um exercício para todas as partes do corpo.”

A beleza da dança grega antiga, seu significado, história de desenvolvimento e relação com a música é descrita por Luciano em seu tratado: “Direi que a dança não só encanta, mas também beneficia o público, educa bem e ensina muito. . A dança traz harmonia e medida à alma de quem vê, deliciando os olhos com as mais belas paisagens, cativando os ouvidos com os mais belos sons e revelando a bela unidade da beleza mental e física. E se, em conjunto com a música e o ritmo, a dança consegue tudo isso, então por isso não merece censura, mas sim elogios... Dançar não é uma atividade nova, não começou ontem ou no terceiro dia... Por exemplo , da época dos nossos antepassados ​​​​ou dos seus pais - não: quem fornecer as informações mais confiáveis ​​​​sobre o pedigree da dança poderá dizer que simultaneamente com a origem dos primeiros princípios do universo, a dança também surgiu , que nasceu junto com ele, o antigo Eros. A saber: a dança circular das estrelas, o entrelaçamento dos luminares errantes com os fixos, a sua comunidade harmoniosa e a ordem medida dos movimentos são manifestações da dança primordial. Depois, aos poucos, desenvolvendo-se continuamente e melhorando, a dança parece agora ter atingido o seu ápice final e tornou-se uma bênção diversa e harmoniosa, combinando os dons de muitas Musas... Mas como a arte do dançarino é imitativa, já que ele empreende para retratar o conteúdo da música com seus movimentos, “O dançarino deve, como os oradores, praticar, alcançando a maior clareza, para que tudo o que retrata seja compreensível, sem necessitar de intérprete”.

Em geral, a dança e a arte da dança da Grécia Antiga desempenharam um papel importante na vida dos gregos. Preenchendo e enriquecendo a vida no sentido espiritual e estético, a dança torna-se parte integrante dos feriados e rituais religiosos, cerimônias de casamento e rituais militares, bem como parte da cultura e da arte da Grécia Antiga. A beleza e a estética dos movimentos, poses e gestos da Grécia Antiga são confirmadas por numerosos desenhos da Grécia Antiga, impressões de contemporâneos e tratados de pensadores filosóficos. A arte da dança da Grécia Antiga, como outras formas de arte, sem dúvida influenciou o desenvolvimento da cultura e da arte mundial, do teatro e do balé. PARA danças antigas Muitos diretores, dançarinos e coreógrafos recorrem à cultura milenar. A grande dançarina americana Isadora Duncan empresta poses e gestos da Grécia Antiga para suas improvisações, e também usa a túnica grega antiga como principal tipo de figurino para suas apresentações. Os coreógrafos J. J. Nover, M. Graham, G. Aleksidze, Y. Posokhov e outros voltam-se para o enredo da antiga lenda grega sobre Jasão e Medéia.

1. Estilo e harmonia

Fontes baseadas em material arcaico dividiram a música grega em três "harmonias" ("estilos") principais: Dórica, Jônica e Eólia.

Assim, Ateneu (XIV 624 p-626 a) escreve: “Existem três harmonias, como as três tribos gregas () - Dórica, Eólia e Jônica. Há uma diferença considerável no caráter dessas tribos. Os espartanos, mais do que outros dórios, seguem o caminho de seus ancestrais... Pela harmonia dórica eles [isto é, os gregos arcaicos] chamavam o movimento da melodia que os dórios usavam, e aquela que os eólios cantavam era chamada de eólia harmonia, e para a terceira harmonia eles tinham o nome de Jônico, que... era cantado pelos Jônicos. A harmonia dórica se distingue pela masculinidade e dignidade. Não é chato, nem alegre, mas severo e tenso, e [além disso,] não é complexo ou variado em estilo. O caráter dos Eólios combina arrogância e importância, até mesmo arrogância... No entanto, seu caráter não é propenso à malícia, mas é orgulhoso e atrevido. É por isso que seu amor pela bebida, suas inclinações eróticas e seu estilo de vida afeminado combinam tão bem. Pela mesma razão, eles têm o caráter do que... o que os antigos chamavam de harmonia eólica... "A harmonia eólica é aquela canção que agrada a qualquer um que esteja furioso."... Então examinemos o caráter dos habitantes de Mileto, um tanto manifestado nos Jônicos. Tendo corpos graciosos e fortes, eles se comportam com orgulho e são cheios de vida: são difíceis de acalmar, são combativos e não há nada de bondade ou diversão neles. Eles também exibem hostilidade e aspereza. Conseqüentemente, o tipo de harmonia jônica não é revigorante nem alegre, mas severo, brutal e nobremente importante. ...Então essas três harmonias existem, como dissemos no início, assim como [existem] três tribos.”

Posteriormente, a terminologia mudou um pouco. A divisão em três “harmonias” (“estilos”) foi preservada, mas o lugar das harmonias Jônica e Eólia foi ocupado pelas harmonias Frígia e Lídia. A música dos frígios () foi associada pelos gregos ao frenesi e ao frenesi. A música desenfreada e orgiástica do culto dionisíaco, que chegou aos gregos vindo da Ásia Menor, foi a personificação mais impressionante da “harmonia frígia”. No entendimento grego comum, tocar e cantar em frígio significava criar e executar música rápida e turbulenta com a mais alta intensidade emocional. O amor generalizado e as elegias eróticas dos Lídios () criaram os traços característicos da “harmonia Lídia”.

A singularidade desta terminologia residia no facto de as designações estabelecidas implicarem não tanto o tema como a região altitudinal do espaço sonoro. Ptolomeu (Harmônicos II; 6) repete duas vezes a mesma afirmação de que “os antigos... cantavam apenas em [tons] dórico, frígio e lídio, diferindo entre si por um tom”. E ainda (ibid.) ele escreve: “Em geral, os três [tonais] mais antigos, chamados dórico, frígio e lídio... distinguem-se uns dos outros pelo tom.” Obras de “harmonia Lídia” foram executadas principalmente no registro agudo, “Frígio” – no registro médio, “Dórico” – no registro grave. O registro grave foi percebido como a personificação de um estado calmo e majestoso, e o registro agudo, ao contrário, como a personificação da tensão e da dinâmica. Gêneros como trens, linodys, lamentos e canções fúnebres soavam em registro agudo, pois deveriam ser percebidos de forma intensa e dinâmica. Hinos e cânticos em cerimônias religiosas, ao contrário, eram executados em registro grave.

2. Variedades instrumentos musicais

As ferramentas utilizadas pelos gregos eram muito diferentes das modernas. Havia dois tipos principais: cordas, como a cítara, e instrumentos de sopro, como a flauta. Tanto em termos de timbre como de força sonora, eram invulgarmente simples e incolores.

A base da lira e seu ressonador era uma carapaça de tartaruga (mesa de ressonância). Dois chifres de cabra ou antílope foram inseridos nas duas aberturas naturais frontais da concha, formando os braços da lira (ancones). No topo, eles eram conectados por uma barra transversal - um tocador de cordas (xigon). Cordas de vísceras ou veias eram presas a estas diretamente ou com a ajuda de estacas (collopes). Na parte inferior, os barbantes foram amarrados a uma potranca lisa e achatada (ipolyrion), sem tocar na parte plana da concha ().

Ao tocar a lira, o intérprete (letrista) geralmente sentava e segurava o instrumento sobre os joelhos, um tanto obliquamente afastado de si mesmo. A lira foi afinada com uma tonalidade especial (cordóton). Ao tocar, usavam não apenas os dedos, mas também uma palheta de madeira, marfim ou metal. Eles tocavam simultaneamente com os dedos e a palheta, depois alternadamente (a palheta era uma varinha plana e pontiaguda em ambas as extremidades; às vezes era uma colher com um orifício no qual o dedo da mão direita era convenientemente inserido).

O barbiton é mencionado como um tipo separado de lira. Era maior que uma lira e tinha um som mais grave. Outras variedades de liras são pectida, epigonion e magada. Este último tinha 20 cordas, o epígono - 40.

4. Cífara

A kithara diferia da lira porque não apenas o tampo, mas também seus arcos eram ocos. Consistiam em finas placas de madeira ou metal e variavam em tamanho e elegância de decoração. Normalmente o kithara tinha sete cordas. Era um instrumento preferido, indispensável em competições musicais, sacrifícios e procissões cerimoniais. Se a lira fosse fácil de manusear e não fosse difícil aprender a tocá-la, então o kithara exigia treinamento profissional. Era muito maior que a lira, muito mais longa e pesada (). Durante o jogo, a cítara era jogada no cinto por cima do ombro, as cordas eram presas com a mão esquerda e as cordas eram dedilhadas com a direita. O citarista ficou de pé enquanto se apresentava.

O kithara era um dos instrumentos mais pobres e menos expressivos que se possa imaginar, mas se distinguia pela pureza austera do som e pela clareza viril. E é precisamente isso que os gregos valorizavam nela! Afinal, eles não exigiam de seus instrumentos nem uma reprodução brilhante e apaixonada dos prazeres, lutas, sofrimentos que preenchem a vida, nem um reflexo mutável daqueles sonhos em que às vezes nos mergulham nossas alegrias e tristezas. Queriam impressões claras e simples, que fossem como um eco daquele Olimpo, onde reinava a bem-aventurança eterna.

A cítara maior, que tinha um cordão que ligava os braços, as cravelhas e a caixa de ressonância, era chamada de formação.

5. Outros instrumentos de cordas

A variedade grega de harpa era chamada de trígono (). O trígono tinha formato triangular, que era formado ou por uma caixa acústica com tocador de cordas e uma terceira corda, ou simplesmente por ambos os braços sem tocador de cordas. Também é mencionado o megadis, um instrumento de múltiplas cordas tocado com as duas mãos sem pletra.

6. Flauta

Os instrumentos de sopro, ao contrário das cordas, produziam sons apaixonantes e inspiradores. O instrumento de sopro mais simples era a flauta. Foi feito de cana especial; esses juncos apareceram quando, após fortes chuvas, houve enchente no lago por pelo menos dois anos. O junco cultivado em águas altas era mais grosso e carnudo do que o normal. Todas as flautas eram mais largas na parte inferior, mais estreitas na parte superior e possuíam vários orifícios laterais (de 1 a 7). O bocal pode ser de metal e ter forma diferente: ora era mais estreito, ora mais largo; às vezes reto, às vezes curvo.

A flauta tinha grande variedade e flexibilidade de som. Foi usado como acessório necessário para celebrações brilhantes; geralmente servia como acompanhamento de canções de amor e paixão. No entanto, as capacidades desta ferramenta também eram muito limitadas.

7. Tubo

Svirel - consistia em 7 ou 9 tubos ocos de junco (seringa) comprimentos diferentes, conectados entre si com cera (). Seu som era leve, agradável, um pouco assobiado (às vezes falam dos sons “guinchados” da flauta de um pastor). O alcance do tubo era limitado ao registro agudo.

8. Avlós

Junto com a cítara, o instrumento mais comum no mundo antigo era o aulos. Consistia em uma boquilha com uma ou duas palhetas e um tubo (bombix) equipado com quatro (ou mais) furos e válvulas laterais em forma de cavilhas móveis. O comprimento do bombix variava dependendo do registro necessário e do tipo de instrumento: aulos agudos com alcance pequeno eram curtos, e aulos graves com alcance mais amplo eram muito mais longos. Bombyx era feito de junco, madeira, marfim e também de ossos limpos de joelhos de burro ou veado. O bombix possuía um certo número de furos (até 15 nos mais complexos), para que a faixa dos aulos pudesse cobrir até duas oitavas. A boquilha com língua era feita de palheta e era a parte mais importante do instrumento. Em sua estrutura, o aulos aproximava-se do clarinete moderno.
Os artistas dos aulos eram chamados de aulets.

Junto com os aulos simples, eram comuns os aulos duplos: com tubos de comprimento igual ou diferente e boquilha comum. Nesse caso, uma válvula era chamada de macho e produzia tons graves, a outra era chamada de fêmea e produzia tons agudos ().

9. Ferramentas de sinalização

Entre os espartanos, junto com a lira e a lira, um dos instrumentos mais comuns era o salpinx - um cachimbo longo e reto com um cachimbo em forma de tigela e uma extremidade inferior alargada. Emitia sons roucos e em staccato e era usado para sinalizar as tropas no campo de batalha, bem como para realizar marchas militares. Uma buzina (keras) foi usada para dar sinais no acampamento. O trompetista era chamado de kerataules.

10. Instrumentos de ruído e percussão

Kimbalon é um instrumento de percussão; consistia em dois pequenos hemisférios ocos de metal do mesmo tamanho. Cada hemisfério tinha um anel plano que poderia ser usado para segurar o instrumento enquanto o músico os batia. O címbalo foi especialmente utilizado durante o período dionisíaco.

O tímpano é um pandeiro revestido de couro com círculos de metal na moldura. Eles bateram com a mão ou apertaram. O tímpano marcava o ritmo das marchas e danças nas festas de Dionísio e Deméter.

O crotalon (chocalho) era usado nas orgias em homenagem a Dionísio, e também como acompanhamento nas danças alegres.

Krupesion - consistia em duas pranchas de metal ou madeira conectadas em um ângulo agudo com um sino entre elas. Usado na perna e usado pelos regentes de coral que marcam o ritmo dos cantores.

11. A natureza da música grega antiga

Passando dos instrumentos musicais para a própria música, é necessário notar a diferença entre a arte dos antigos gregos e a dos povos modernos. Na música, os gregos amavam a clareza, a calma e a pureza do tom, em vez da riqueza das consonâncias. Eles tinham um medo instintivo de uma melodia muito rica e sensível. Isto é especialmente verdadeiro para os espartanos. As palavras de suas canções sempre foram simples e corajosas. Eles apenas elogiaram aqueles que viveram nobremente e tiveram a sorte de morrer por Esparta, ou condenaram as pessoas que demonstraram covardia.

12. Fundadores da arte musical

A música desempenhou um papel importante na vida social dos espartanos. Nos séculos VII a VI. AC Esparta foi uma espécie de legislador dos cânones da arte musical clássica. Em 676/673 AC. aqui foi estabelecido o festival todo dórico de Apolo de Carnea. A figura principal deste evento foi Terpander, um poeta e tocador de lira de Lesbos Eólias. Ele foi creditado pela criação do “nome kyfaródico” (“nome”, em grego, “lei”, “carta”).

O “segundo estabelecimento” ocorreu em 665 a.C., quando foi instituído o festival espartano de gimnopédia. A figura principal deste evento foi Thaletas, poeta e lira de Dorian Creta. A ele foi creditada a criação dos primeiros hinos e hiperquemas, ou seja, a transformação do nome de obra solo em coral.

Contemporâneo de Terpandra e Thaletas foi o terceiro músico famoso do século VII. AC – Um clone a quem se atribui a criação do “nome aulódico” (composição verbal cantada com acompanhamento de flauta).

13. Terpandro

Terpander nasceu na cidade de Antissa, na costa oeste de Lesbos. Segundo a lenda, ele se tornou herdeiro da lira do mítico Orfeu (as ondas o levaram até a ilha) e com ela recebeu uma rara habilidade de criar obras musicais. Terpander introduziu notas, com a ajuda das quais retratou não só as suas melodias, mas também as obras de compositores anteriores, antigos músicas folk e aceitou cantos litúrgicos. Quatro vezes consecutivas ele venceu os Jogos Pítios.

O oráculo de Delfos convocou Terpandra para salvar Esparta de um desastre público - conflito civil. Não se sabe por que surgiram essas discórdias, mas foram terríveis. Parecia que a cidade havia enlouquecido. As pessoas atacavam umas às outras com espadas nas ruas e durante as festas. Quando Terpander apareceu em Esparta, ele tinha nas mãos uma lira sem precedentes - não de quatro cordas, como era conhecida antes, mas de sete cordas, como se tornou desde então. Ele tocou as cordas - e, ouvindo seu toque comedido, as pessoas começaram a respirar mais uniformemente, a se olharem com mais gentileza, largaram as armas, deram as mãos e, caminhando em harmonia, conduziram uma dança circular em homenagem ao deus Apolo. Terpander jogou perante o conselho e assembleia popular- e quem discordava chegou a acordo, quem era irreconciliável fez as pazes, quem não entendeu encontrou linguagem mútua. Ele tocava nas festas e nas casas - e a amizade reinava nas festas, e o amor reinava nas casas. (Assim, Terpandro foi creditado com a “invenção” não apenas de nomes litúrgicos, mas também de escólias de mesa).

O mérito de Terpandra residia no fato de ter composto músicas maravilhosas, cuja estrutura emocional correspondia plenamente ao espírito das leis estabelecidas e às características de seu texto. Tinha que ser uma música alegre e imaginativa, que ajudasse a penetrar na essência da lei e fosse aceitável para todas as idades e para uma grande variedade de gostos.

Os nomes de Terpandra provavelmente eram divididos em duas partes: a primeira parte (archa, ou seja, “início”) era uma invocação a alguma divindade. Diante de uma grande multidão, um cantor com uma cítara ficava de frente para o templo ou estátua de uma divindade e cantava uma invocação ou oração. Por exemplo:

"Zeus, o primeiro princípio de todas as coisas, o líder de todas
Zeus, dirijo-te este início de glorificação..."

Após completar o archa, o cantor virou-se para o povo e começou a cantar sozinho. Esta parte foi chamada de omphalos (“centro”, “concentração”). Aqui, em hexâmetros cantados, cumpriam-se as leis espartanas básicas. O próprio Terpandro traduziu os retras de Licurgo em versos para que os jovens pudessem decorá-los.
No entanto, o tema do ônfalo foi dedicado não tanto ao canto das disposições legais, mas ao louvor das virtudes morais e físicas que são consequência da observância das leis.

14. Evolução do nome

Depois de Terpandra, o nome tornou-se tripartido. A conclusão do nome foi o sphragis (“selo”), no qual a originalidade do autor se manifestou mais plenamente. Mais tarde, alguns kifareds começaram a introduzir um episódio instrumental especial entre as duas primeiras partes do nome. Agora, a passagem do artista do templo para o povo não foi um movimento formal e passageiro. Foi feito muito lentamente e acompanhado por uma música especial, e essa parte em si foi chamada de catathropa (“giro”).
Posteriormente, entre o archa e o catatrope, apareceu outra parte - a metarcha ("próximo ao archa"), e entre o catatropa e o omphalos - a metacatatropa ("próximo ao catatropa"). Sfragis começou a concluir o epílogo. Assim, o nome passou a ter sete partes. A princípio, o nome estava associado apenas ao tema da legislação espartana. Posteriormente, a parte jurídica do nome torna-se cada vez menor.

15. Thalet

Uma contemporânea mais jovem, Terpandra Thaletos, nasceu em Gorgin, em Creta. Ele expressou suas idéias legislativas não em parágrafos de doutrina, nem em códigos de leis, mas em canções líricas. Os lacedemônios persuadiram Thaletas a seguir sua política. Segundo a lenda, ele salvou Esparta de um desastre natural - com sua peça evitou a praga da cidade. Mas Thalet fez ainda mais para manter a paz civil. As canções que compôs apelavam à obediência e à unanimidade através de melodias e ritmos. Juntamente com outros dois músicos, Thaletos estabeleceu gimnopédias na Lacônia - festivais anuais de dez dias realizados em memória dos espartanos caídos e dedicados a Apolo. A execução dos exercícios era acompanhada de cantos de ginástica, de caráter sério e solene.

16. Desenvolvimento adicional letras gregas antigas

A segunda geração de letristas é determinada pelo nome de Alcman (viveu por volta de 630 aC). Ele era um grego da Lídia Sardes, também por muito tempo viveu em Esparta. Foi considerado o fundador e melhor mestre do gênero das parthenias - “canções femininas”, executadas por coros concorrentes em procissões nas festas femininas.

O próximo grande músico, Sakad de Argos, venceu três vezes as competições Pítias entre os auletas (em 586, 584 e 582 aC). A tradição atribui a ele a criação das “Elegias das Três Canções”, cada uma das quais soando em uma das principais tonalidades - dórica, frígia e lídio. A maior criação de Sakada foi considerada o “Nome Pítio”, dedicado à luta entre Apolo e Píton. Na primeira parte (“Teste”), Apolo testou se o local que havia escolhido para a luta era adequado ou não. Em "Battle Cry" o deus desafiou o monstro para um duelo. No Iâmbico (onde ocorreu o duelo), os aulos imitavam o toque da trombeta e o ranger dos dentes do dragão. “Sponday” soou como um hino ou um juramento a Apolo. Em “Kotahorevis” a canção e a dança solene de Apolo trovejavam enquanto ele celebrava sua vitória.

Simônides de Keos (556 - 468 aC) tornou-se o criador de dois novos gêneros de letras corais: epinikia - canções em homenagem à vitória em competições e phren - lamentação pela morte de um cidadão eminente.

17. Arte de dança

Os gregos sempre se encantaram com movimentos rítmicos, harmoniosos e expressivos. Portanto, a dança ocupava um lugar importante entre as outras artes e tinha muitas variedades. Algumas danças foram executadas por dançarinos individuais, outras por coros inteiros; alguns estavam tristes, outros alegres; alguns são pacíficos, outros são guerreiros. Um gênero especial inclui hiporemas - canções acompanhadas de danças.

A dança baseava-se no cumprimento estrito do ritmo, na combinação de passos rítmicos com gestos e movimentos de mãos adequados. Através da dança representavam vários acontecimentos históricos ou representavam cenas da vida. Cada dança era dedicada a um dos habitantes imortais do Olimpo e refletia o que deveria ser característico desta ou daquela divindade, o mundo ao qual Deus estendeu sua proteção.

Os gregos tinham dois requisitos principais para todas as danças: em primeiro lugar, deviam distinguir-se pela beleza da sua plasticidade e, em segundo lugar, deviam expressar claramente vários sentimentos e pensamentos bem conhecidos. A dança muitas vezes tinha um caráter puramente imitativo. Por exemplo, os dançarinos representavam uma aparência de batalha e executavam no tempo todos os movimentos que ocorrem em uma batalha: fingiam atirar flechas ou evitá-las, atiravam uma lança e refletiam golpes; eles correram para frente, recuaram, curvaram-se, caíram no chão como se estivessem feridos ou mortos, levantaram-se rapidamente e mudaram de frente. Nas danças líricas corais, a beleza de cada bailarino individual era complementada pela beleza dos movimentos do coro, que se desdobravam ora em linhas retas, ora em linhas onduladas, ora em paralelo e contra, e esses movimentos eram dispostos e diversificados em milhares de caminhos; às vezes o coro consistia em metade meninos e metade meninas; seus grupos se entrelaçavam, harmoniosamente e no tempo, realizando figuras simples e complexas.

18. Algumas danças gregas antigas

A dança de guerra mais famosa dos gregos era a pirréia, executada por dançarinos de armadura completa. Com armas e armaduras, os dançarinos apresentaram diversas cenas de batalhas. Segundo Platão, a dança reproduzia “os movimentos de belos corpos e almas corajosas na guerra ou em circunstâncias difíceis... Ao esquivar-se e recuar, saltar em altura e curvar-se, reproduziu técnicas que ajudam a evitar golpes e flechas. Também reproduzia movimentos de Pirro de tipo oposto, utilizados em ações ofensivas, ou seja, no tiro com arco, no lançamento de dardo e no desferimento de golpes diversos.”

Uma espécie de dança executada nas festas era o cordax. Cambaleando e balançando, a dançarina imitou os movimentos de um bêbado.

A Garça era considerada uma bela dança. Meninos e meninas, de mãos dadas, realizaram diversas figuras, imitando este pássaro. Sob a direção do regente do coral, eles faziam círculos e voltas, e também caminhavam em fila, acompanhando seus movimentos com muitas evoluções.

Civilização e cultura da Grécia Antiga